Empresyonizm: Işığı yeniden tanımlayan sanat akımı.

Başlatma » Kategorilenmemiş » Empresyonizm: Işığı yeniden tanımlayan sanat akımı.

Empresyonizm, sanat dünyasının kurallarını sonsuza dek değiştiren sanat akımlarından biridir.Sadece birkaç on yıl içinde, bir grup ressam, akademilerin katı normlarına sırtlarını dönmeye ve biçimlerin titiz betimlemesine bağlı kalmak yerine ışığı, anı ve duyguyu resmetmeye karar verdi. 19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren, özellikle Fransa'da, ancak Avrupa ve Amerika kıtalarında da yankı bulan bu yeni görsel dünya görüşü, resimden anladığımız şeyi yeniden tanımladı... modern resim.

Empresyonizmden bahsettiğimizde aklımıza hemen Monet, Renoir veya Degas gelir, ancak hikaye çok daha geniş ve karmaşıktır.Bu, Turner, Constable, Corot ve Manet gibi öncülleri; Pissarro gibi renk devrimcilerini; ve Almanya, Belçika, İspanya, İtalya, Hollanda, Macaristan ve Avrupa'nın ötesindeki uluslararası bir sanatçı ağını içerir. Dahası, "baskı" fikri müzik ve edebiyata da nüfuz ederek 20. yüzyıl avangardına ve şu gibi hareketlere zemin hazırladı... post-empresyonizmFovizm veya Kübizm.

Tarihsel bağlam: çalkantılı bir 19. yüzyıl

Empresyonizm, siyasi, endüstriyel ve kültürel devrimlerle sarsılan 19. yüzyılda ortaya çıktı.Sanayi Devrimi, Fransız Devrimi, Napolyon İmparatorluğu, monarşik restorasyonlar, toplumsal mücadeleler ve kent burjuvazisinin güçlenmesi, Avrupa şehirlerindeki yaşamı derinden değiştirdi. Aydınlanma'nın rasyonalist felsefesi ve romantik duygusallık, doğrudan gözlem ve dünyanın somut dönüşümünü savunan pozitivizm ve realizme yerini bıraktı.

Sanatsal açıdan bakıldığında, sistem hâlâ akademiler ve büyük resmi salonlar tarafından domine ediliyor.Özellikle Paris Salonu, tarihsel, dini veya mitolojik temaları, "doğru" bir çizimi ve fırça darbelerinin hiçbir izi olmayan kusursuz bir bitişi zorunlu kılıyordu. Basit manzaralar, günlük yaşam sahneleri veya natürmortlar az prestije sahipti ve büyük akademik kompozisyonlardan daha aşağıda görülüyordu.

Bu katı kurallar ortamında, aykırı tavır sergileyen genç Fransız ressamlardan oluşan bir kuşak ortaya çıktı.Birçoğu Académie Suisse'de veya özel stüdyolarda tanıştı; resmi jürilerin katı filtrelerinden bıkmışlardı. Tematik özgürlük, teknik özgürlük ve her şeyden önemlisi, kurumları memnun etmek zorunda kalmadan gördüklerini ve hissettiklerini resmetme özgürlüğü istiyorlar.

Aynı zamanda, teknolojik ilerleme bu değişime yardımcı oluyor.19. yüzyılın ortalarından itibaren kullanıma hazır boya tüplerinin ortaya çıkması, sanatçıyı atölye ortamından kurtardı: Artık elinde paletle dışarı çıkıp doğrudan açık havada (plein air) resim yapmak ve ışığı gerçek zamanlı olarak gözlemlemek mümkündü. Yeni endüstriyel pigmentler, renkleri her zamankinden daha saf, daha doygun ve daha parlak hale getirerek güçlü kontrastlara, renkli gölgelere ve çok daha canlı bir palete olanak sağladı.

Fotoğrafçılık da belirleyici faktörlerden biridir.Kamera, nesnelerin görünümünü doğru bir şekilde kaydetme rolünü üstlendikçe, resim artık mekanik doğrulukla rekabet etmek zorunda kalmıyor. Bu durum, ressamın öznel algıyı, beklenmedik çerçeveleme kesimlerini, hareketin parçalanmasını ve rengin özerk değerini keşfetmesi için alan açıyor.

Öncüller: Turner ve Constable'dan Corot ve Manet'ye

"Resmi" Empresyonizmden önce, birçok sanatçı bu devrimin zeminini hazırlamıştı bile.19. yüzyılın ilk yarısında, hâlâ Romantizmle ilişkilendirilen İngiliz manzara ressamları Joseph Mallord William Turner ve John Constable, ayrıntıların titizlikle betimlenmesinden ziyade atmosfere, geçici anlara ve ışığın etkilerine daha fazla önem vermeye başladılar.

Geleceğin İzlenimcileri, Turner'dan buharlaşmış yüzeylere, bulanık hatlara ve yoğun sarı ve kırmızı kombinasyonlarına olan ilgiyi miras aldılar.Isıyı, fırtınayı, sisi veya hızı çağrıştırabilen bir yeteneğe sahipti. Londra'daki Ulusal Galeri'de bulunan "Yağmur, Buhar ve Hız" (Lluvia, vapor y velocidad, 1844) adlı eseri, Fransızların daha sonra terk edeceği romantik yüceliği hâlâ taşımasına rağmen, Empresyonizmin erken dönem dönüm noktalarından biri olarak sıklıkla gösterilir.

Fransa'da ise Camille Corot ve Barbizon Okulu bir diğer önemli bağlantı noktasıdır.Corot, klasik Rönesans kaynaklarının çoğundan vazgeçerek daha düz, daha aydınlık ve daha sade mekanlara odaklanır ve açık havada resim yapmaya yaklaşır. İzlenimciler gibi ışığı saf renklere ayırmasa veya fırça darbelerini parçalara ayırmasa da, salonların muhafazakar atmosferini yenileyen yüksek bir tonlama, belirli bir kendiliğindenlik ve tazelikle çalışır.

Ancak akademik dünya ile yeni Empresyonist vizyon arasındaki kilit isim Édouard Manet'dir.Resmi olarak Empresyonist sergilerin bir parçası olmasa da, eserleri kopuşun büyük tetikleyicisi olarak kabul edilir. "Le Déjeuner sur l'herbe" (Çimen Üzerinde Öğle Yemeği) adlı eserinde Manet, tuhaf bir "insan meyhanesi" sahneliyor: birbirlerine bakmayan karakterler, giyinik erkekler arasında çıplak bir kadın, ön planda sepet ve yiyecekler, gölün dibindeki kadın ise yerinden ayrı düşmüş gibi görünüyor. Anlatı neredeyse önemsiz; önemli olan plastik yapı, düzlemlerin yan yana getirilmesi ve her türlü ahlakçılığın reddedilmesidir.

Manet'nin bir başka simgesel tablosu “Un bar aux Folies-Bergère”Bu durum, yapay ışığın keşfini yoğunlaştırıyor: arka plandaki bir ayna, odanın derinliğini, avizeleri ve gece ortamının yaydığı loş ışığı yansıtıyor. Yansımalar ve zıtlıklarla dolu bu karmaşık aydınlatma yaklaşımı, Renoir'ın şenlikli sahnelerde yapacaklarıyla ve İzlenimcilerin giderek zorlaşan optik zorluklara olan merakıyla diyalog kuruyor.

Empresyonist akımın resmi doğuşu.

Empresyonist grubun birleşmesi 1873 ile 1874 yılları arasında gerçekleşti.Resmi Salon'dan gelen sistematik retlerden bıkan bu ressamlar, bağımsız bir topluluk kurmaya karar verdiklerinde, akademinin vesayeti olmadan sergi açabilmek için "Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs"u kurdular.

1874'te grubun ilk toplu sergisi Paris'te fotoğrafçı Nadar'ın stüdyosunda gerçekleşti.Otuz dokuz sanatçı, aralarında Edgar Degas'ın on tablosunun (en büyük bireysel katılım) da bulunduğu yüz altmış beşten fazla eserle katılıyor; Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot ve yeni stile yavaş yavaş bir yüz kazandıran diğer isimlerin tabloları da sergileniyor.

Bu sergide Claude Monet, "Impression, soleil levant" (İzlenim, Gün Doğumu) adlı eserini sunuyor.Şafak vakti Le Havre limanının bir görünümü. Şekiller lekelere indirgenmiş, güneş mavimsi pusun içinden çıkan canlı turuncu bir disk gibi; teknelerden, sudan veya mimariden ziyade bir atmosfer görüyoruz. Skandal yaratan eleştirmen Louis Leroy, tabloyla alay eder ve "İzlenimciler Sergisi" başlıklı alaycı bir makale yazarak "izlenim" terimini aşağılayıcı bir şekilde kullanır.

Ancak bu takma ad kalıcı oluyor ve sonunda sanatçıların kendileri tarafından da benimseniyor.Bir zamanlar hakaret olarak kabul edilen şey, bir kimlik sembolü haline gelir. Sonraki yıllarda yedi bağımsız sergi daha düzenlerler (1876, 1877, 1879, 1880, 1881, 1882 ve 1886). Bazı öncüler (Cézanne, Monet, Renoir ve Sisley gibi) katılmayı bırakırken, Mary Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat ve Signac gibi diğerleri de bu çevreye katılır.

Kamuoyundan ve eleştirmenlerden gelen ilk tepkiler oldukça sert.Resimler, bitmemiş eskizlere, kaba lekelere, basit, biçimsiz "karalamalara" benzemekle suçlanıyor. Ancak Cézanne'ın çocukluk arkadaşı Émile Zola gibi yazarlar, gazete makalelerinde bu sanatçı grubunu savunarak, bunların yarının ustaları olacağını ve bugün onlara zulmetmenin haksızlık olduğunu savunuyorlar.

Durand-Ruel ve Empresyonizmin kutsanması

Sıklıkla unutulan, ancak Empresyonizmin hayatta kalması için kesinlikle çok önemli bir figür de sanat tüccarı Paul Durand-Ruel'dir.Monet, Fransa-Prusya Savaşı sırasında Londra'daki sürgünü esnasında Durand-Ruel ile tanıştı. Durand-Ruel, ışık dolu bu tuvallerden büyülenmişti ve Monet ile arkadaşlarının eserlerini sistematik olarak satın almaya başladı; bu da o dönemde neredeyse hiç kimsenin bu tür resimleri edinmek istemediği bir zamanda onlara bir nebze maddi rahatlama sağladı.

Durand-Ruel, Paris, Londra ve özellikle New York'ta sergiler düzenliyor.1886'da Amerika Birleşik Devletleri'nde düzenlenen "Paris İzlenimcilerinin Yağlı Boya ve Pastel Eserleri" sergisi, kamuoyundaki değişimde bir dönüm noktasıdır: Amerikan halkı olumlu tepki vermeye başlar, resimler daha yüksek fiyatlara satılmaya başlanır ve akım uluslararası meşruiyet kazanır.

Özel koleksiyonculardan ve hamilerden gelen bu destek, büyük ölçüde eski aristokratik ve dini himayenin yerini almıştır.İlişki daha da yakınlaşıyor: Alıcılar stüdyoları ziyaret ediyor, eserlerin gelişimini takip ediyor ve birbirlerine sanatçıları tavsiye ediyorlar. Başlangıcından itibaren resmi çevreler tarafından reddedilen Empresyonizm, böylece alternatif bir ekonomik temel buluyor ve günümüzde bile galeri sahiplerini ve çağdaş sanatçıları etkileyen bir sanat piyasası modeli ortaya çıkıyor.

Empresyonist resmin temel özellikleri

Empresyonizmin özü, bu sanatçıların ışığa, renge ve görsel algıya yaklaşım biçimlerinde yatmaktadır.Titiz çizim ve geleneksel ışık-gölge tekniklerine güvenmek yerine, yoğun bir renk paleti, görünür fırça darbeleri ve belirli bir anda ortaya çıkan ışık etkilerinin doğrudan gözlemlenmesiyle deneyler yapıyorlar.

Doğal ışık ve atmosferik koşulların kullanımıİzlenimciler, gün boyunca ve mevsimlerdeki ışık değişimlerini yakalamak için açık havada, konuyla doğrudan temas halinde resim yapmayı tercih ettiler. Şafak vakti, öğle vakti, öğleden sonra geç saatler, sis, yağmur veya parlak güneş, resmedilen nesneler kadar baş kahraman haline geldi.

Palet içerisinde minimum karıştırma ile elde edilen saf, doygun renkler.Ressamlar, toprak tonları, koyu siyahlar ve hardal sarıları yerine, genellikle yan yana uygulanan yoğun mavi, mor, yeşil ve turuncu renklere başvururlar. Renk hakkındaki bilimsel teorilere ve kromatik kontrast yasalarına dayanırlar: her renk, onu çevreleyen renklerle ilişkili olarak algılanır ve tamamlayıcı renkler (mavi/turuncu, kırmızı/yeşil, sarı/mor gibi) güçlü optik titreşimler yaratır.

Nötr karanlığın yerine renkli gölgeler.İzlenimciler, gölgelendirme için siyah kullanmaktan çok uzak, gölgeleri tamamlayıcı renklerle veya yerel tonun soğuk varyasyonlarıyla oluşturarak, yalnızca ışık ve karanlık farklılıklarıyla değil, kromatik kontrast yoluyla derinlik yarattılar.

Parçalı, canlı ve kendinden emin fırça darbeleriJestlerini gizlemiyorlar. Küçük fırça darbeleri, hızlı dokunuşlar ve süreksiz renk geçişleri, genellikle nesnenin hatlarını tam olarak takip etmese de, gözlemcinin gözünde tutarlı bir görüntü oluşturmak üzere bir araya geliyor. Bu, Gestalt prensiplerinin sezgisel bir öngörüsüdür: görünüşte bağlantısız parçalar, uygun mesafeden bakıldığında birleşik bir bütün oluşturur.

Çizim ve hikaye anlatımının önemini azaltmak.Resmin biçimi, hacmi ve anlattığı hikaye ikinci plana atılıyor. Önemli olan, yüzeylere düşen ışığın görsel deneyimidir; ister spot ışıkları altında bir balerinin tütüsü, ister açık hava sahnesinde ışığı filtreleyen yapraklar, isterse de bir nehir veya denizin sularında güneşin yansıması olsun.

Günlük yaşam ve modern yaşamın temalarıMitoloji ve savaşlar yerine, kırsal ve kentsel manzaralar, kafeler, tiyatrolar, halk dansları, tekne gezileri, bahçeler, burjuva eğlence sahneleri, yağmurlu sokaklar görüyoruz. Eğlence ve dönüşüm geçiren sanayi kenti, büyük resimler için değerli konular haline geliyor.

Empresyonizm içindeki büyük isimler ve farklı profiller.

"İzlenimci grup" terimi kullanılsa da, akım içindeki her sanatçı kendi özgün yolunu geliştirmiştir....çok farklı kaygılar ve mizaçlarla. Ortak etiket, çok çeşitli plastik çözümlerini gizliyor.

Claude Monet (1840-1926) belki de en "saf" İzlenimci sanatçıdır.Resimlerinde kompozisyon yapısı nispeten basittir ve ışığın inatçı bir şekilde incelenmesine zemin oluşturur: "Rouen Katedrali", "Alpler", "Saman Yığınları" veya "Nilüferler" gibi seriler, aynı motifin farklı zamanlarda ve atmosferik koşullarda tekrar tekrar resmedildiğini gösterir; neredeyse gerçekliğin renk değişimleri üzerine görsel bir laboratuvar gibidir.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Empresyonizmin hazcı yönünü temsil eder.Parti, balo, piknik, açık hava portreleri ve banyo yapan insanları konu alan sahneleri, görsel bir zevk ve yaşam sevincini yansıtır. Renoir, bir resmin amacının sadece bir duvarı süslemek olduğunu ve bu nedenle tonların kendi başlarına hoş olması gerektiğini, stilistik sorunların onu aşırı derecede endişelendirmemesi gerektiğini bile söylemiştir.

Edgar Degas (1834-1917) bu grup içinde özel bir konuma sahiptir.Sergilere katılmasına rağmen, yöntemi oldukça farklıdır: uzun süreli çizim çalışmalarıyla iç mekanlarda çalışmayı tercih eder ve özellikle bale dansçıları, at yarışları sahneleri veya samimi anlardaki kadınlar gibi beden hareketlerini yakalamaya takıntılıdır. Keskin zekası ve belirli bir nesnel "soğukluğu", resimlerinin daha az spontane görünmesine neden olsa da, kompozisyon, çerçeveleme ve bakış açılarıyla yaptığı deneyler son derece moderndir.

Camille Pissarro (1830-1903), İzlenimcilik akımının atası olarak kabul edilir.Muhteşem bir renk ustasından ziyade daha çok tonlama odaklı olan bu sanatçı, grubun ideolojik ve etik bütünlüğünü uzun yıllar boyunca sürdüren kişidir. Neredeyse her zaman açık havada, kırsal ve kentsel ortamlarda çalışır ve Monet ve Cézanne gibi sanatçıları doğrudan etkiler. Danışman ve rehber olarak rolü, hareketin pekişmesinde merkezi bir öneme sahiptir.

Fransız-İngiliz manzara ressamı Alfred Sisley (1839-1899), Empresyonist ideallere sadık kalmıştır.Tüm hayatını nehirler, köyler ve köprüler motiflerinin peşinde geçirdi; sıklıkla Monet ve Renoir'den etkilendi, ancak doğayı gözlemlemesinde ölçülü ve şiirsel bir romantizmi korudu ve "anlık motif arayışından" vazgeçmedi.

Paul Cézanne (1839-1906) kariyerine İzlenimcilerle birlikte başladı, ancak kısa süre sonra onlardan uzaklaştı.İlk sergilere katılmış olmasına rağmen, araştırmaları farklı bir yöne evrildi: Kübizmi önceden sezen, dünyayı katı hacimler ve yapılandırılmış renk düzlemleri aracılığıyla yeniden inşa etmeyi amaçladı. Bu nedenle, genellikle Empresyonizm ile 20. yüzyılın avangard hareketleri arasında bir köprü olarak kabul edilir.

Daha önce de gördüğümüz gibi, Édouard Manet (1832-1883) belirleyici bir öncüdür.“Olympia” veya “Çimen Üzerinde Öğle Yemeği” gibi eserlerinde akademiden kopuşu, burjuva ahlakını ve temaların hiyerarşisini sorgular. İlk bakışta “izlenimci” görünen sahneleri resmettiğinde bile, genellikle onları meslektaşlarının hafif ve kendiliğindenliğinden uzaklaştıran ironiler ve belirsizliklerle donatır.

Berthe Morisot (1841-1895) ve Mary Cassatt (1844-1926), hareket içindeki kadın bakış açısını temsil etmektedir.Grubun kurucularından ve uzun süredir üyesi olan Morisot, hafif fırça darbeleri ve görünüşte tamamlanmamış yüzeyler kullanarak ev içi sahneler, annelik ve samimi anlara odaklanıyor. Paris'te yaşayan Amerikalı sanatçı Cassatt ise kadın ve çocuk portreleriyle öne çıkıyor ve duygusal ilişkileri ve günlük yaşamı incelikle ele alıyor.

Gustave Caillebotte, Jean-Frédéric Bazille veya Francesco Filippini gibi diğer isimler de tabloyu tamamlıyorCaillebotte, güçlü bir perspektif anlayışı ve modern kompozisyonla Paris'in kentsel sahnelerini inceliyor; genç yaşta vefat eden Bazille, umut vadeden bir eserler bütünü bırakıyor; Filippini ise İtalya'da Empresyonizmin kurucusu olarak kabul ediliyor ve Fransız deneyimi ile İtalyan gerçekliği arasındaki uçurumu kapatıyor.

Empresyonizmden Neo-Empresyonizme ve Post-Empresyonizme

Empresyonistlerin renk ve parçalı fırça darbeleriyle yaptığı deneyler, daha da radikal yeni araştırmaların önünü açtı.Bazı sanatçılar, optik biliminden ilham alarak, renk parçalanmasını en uç noktasına taşıyarak, düzensiz fırça darbelerini noktalar veya saf rengin küçük, düzenli dokunuşlarıyla değiştiriyorlar.

Bu durum, Noktacılık veya Bölmecilik olarak da adlandırılan Neo-Empresyonizm için de geçerlidir.Georges Seurat ve Paul Signac gibi isimlerden ilham alan bu çalışmada, yerel renk öncelik olmaktan çıkarılıyor; bunun yerine, birbirini tamamlayan tonlardaki minik noktalar yan yana yerleştirilerek, gözlemcinin gözünde optik karışmaya güveniliyor. Sonuç, canlı ancak metodik olarak planlanmış bir yüzey oluyor.

Bu arada, Empresyonizmin "sınırlamalarından" memnun olmayan bir başka sanatçı kuşağı, Post-Empresyonizmi ortaya çıkardı.İngiliz eleştirmen Roger Fry, 1910 yılında Paul Cézanne, Paul Gauguin ve Vincent van Gogh gibi isimleri bir araya getiren bir sergi düzenlediğinde bu terimi ortaya atmıştır. Post-empresyonizm, ışık ve renk alanındaki bazı başarıları sürdürürken, yapı, öznel ifade ve daha derin bir sembolizmin önemini yeniden gündeme getirir.

Van Gogh, etkileyici fırça darbelerini ve yoğun renkleri eşi benzeri görülmemiş bir duygusal yoğunluk seviyesine taşıyor.Manzaraları ve portreleri ruhsal enerji patlamalarına dönüştüren Gauguin, önce Bretonya'da, sonra Tahiti'de egzotik temalar, düz renkler ve geniş dekoratif alanlar aradı. Daha önce de gördüğümüz gibi Cézanne, gerçekliği geometrik hacimlerde parçalara ayırıp yeniden inşa etti; bu da Picasso ve Braque'ın Kübist dilinin temelini oluşturdu.

Uluslararası dağıtım: Almanya, Belçika, Hollanda, Macaristan, İtalya ve İspanya

Fransa'da doğmasına rağmen, Empresyonizm yerel geleneklerle sürekli bir diyalog içinde kalarak hızla Avrupa'ya yayıldı.Örneğin, Almanca konuşulan ülkelerde, yeni Fransız resmine ilk başta temkinli yaklaşılır ve birçok sanatçı bu akımı ancak 1890'lardan itibaren tam anlamıyla keşfeder.

Almanya'da birçok ressam Paris'te önemli süreler geçirmiştir.Fransız başkentinin özgür akademiler ve evrensel sergiler merkezi olarak kazandığı yeni statüsünden yararlanan Max Liebermann, Lovis Corinth, Max Slevogt ve Fritz von Uhde gibi isimler, bahçe manzaraları, plajlar, filtrelenmiş ışıklı iç mekanlar veya sosyal temalar resmederek, genellikle gerçekçilik ve aydınlık atmosferi harmanlayarak Empresyonist akımı özümsediler.

Belçika'da hareket başlangıçta direnişle karşılaştı, ancak sonunda "Les XX" (Yirmi) grubuyla ivme kazandı.1884'te kurulan bu dönemde Georges Lemmen, Alfred William Finch, Théo van Rysselberghe, Henry van de Velde ve Anna Boch gibi sanatçılar, manzara, deniz manzarası ve portrelerde noktacılık ve bölmecilik tekniklerini kullanarak hem Empresyonizm hem de Neo-Empresyonizm ile deneyler yaptılar. Birçoğu için bu aşama, belirli bir Flaman mistik duyarlılığıyla uyumlu olarak Sembolizm ve Ekspresyonizme geçişi temsil etmektedir.

Hollanda'da, Lahey Okulu olarak bilinen akım, Fransız Barbizon hareketi ve İzlenimcilerle yoğun bir şekilde etkileşim içindeydi.Jozef Israëls, Jacob ve Matthijs Maris, Willem Roelofs veya Anton Mauve gibi ressamlar, gümüş grisi tonları daha canlı renk dokunuşlarıyla birleştirerek, bulutlu gökyüzü altında melankolik manzaralar, balık avı sahneleri ve kırsal yaşamı resmederler. Monet, Hollanda geleneği ile modern ışık arayışı arasındaki bu sentez nedeniyle Johan Barthold Jongkind'i en önemli ustalarından biri olarak kabul eder.

Macaristan'da karmaşık siyasi ve ekonomik bağlam, Empresyonizmin tam olarak benimsenmesini geciktirdi.Mihály Munkácsy, güçlü gerçekçiliği ve büyük ölçekli salon kompozisyonlarıyla uluslararası üne kavuşurken, László Páal, Barbizon hareketinin fikirlerini tanıttı. Pál Szinyei Merse, Károly Ferenczy ve József Rippl-Rónai gibi figürler, kırsal sahneler, çiçekli çayırlar ve dekoratif iç mekanlardaki Empresyonist ve Post-Empresyonist çözümleri yavaş yavaş özümsedi.

İtalya'da Macchiaioli davası semboliktir.Fransız Empresyonizminin yaygınlaşmasından önce bile, Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini ve Giuseppe Abbati gibi Toskanalı sanatçılar, manzaralarda ve çağdaş yaşam sahnelerinde ışık ve gölge oyunlarını ("macchie") keşfederek doğrudan bir natüralizme yaklaşıyorlardı. Daha sonra, Giuseppe De Nittis, Giovanni Boldini, Federico Zandomeneghi, Segantini, Previati ve Balla gibi ressamlar, Gerçekçilik, Empresyonizm, Bölücülük ve nihayet Fütürizm arasındaki sınırları aşacaklardı.

İspanya'da Empresyonist etki, kendine özgü güçlü bir gelenek aracılığıyla süzülmektedir.Velázquez, Murillo, Zurbarán ve Goya gibi ustaların izlerini taşıyan bu döneme Manet derinden hayranlık duyuyordu. 1865'te İspanya'yı ziyaret eden Manet, bu dönemden belirli gri ve toprak tonlarının yanı sıra, tüm Fransız kuşağını etkileyen bir bakış açıklığı da edindi.

İspanyollar arasında Empresyonist tekniklerin benimsenmesi kademeli ve düzensiz oldu.Gevşek fırça darbeleri ve açık havada resim yapma zaten embriyonik bir biçimde mevcuttu, ancak gerçek yenilik ışık ve rengin işlenme biçiminde yatıyordu. Birçok sanatçı, özellikle Valensiya okulunda (Sorolla, Teodoro Andreu) ve Katalan okulunda (Santiago Rusiñol, Ramón Casas) "ön-empresyonist", "lüminist" veya basitçe "modern" olarak sınıflandırılır. Darío de Regoyos, Aureliano de Beruete, Adolfo Guiard ve diğerleri Fransız stiline daha doğrudan yaklaşırken, Sorolla, sıklıkla empresyonist olarak etiketlenmesine rağmen, neredeyse göz kamaştırıcı Akdeniz ışığıyla birçok kişi tarafından post-empresyonist olarak görülmektedir.

Müzik ve edebiyatta empresyonizm

"İzlenimcilik" terimi hızla resim alanını aştı ve benzetme yoluyla müzik ve edebiyatta da kullanılmaya başlandı.Farklı diller olsalar da, geçici atmosferleri, ruh hallerini ve belirsiz duyumları çağrıştırma fikri hem seste hem de metinde paralellikler bulmaktadır.

Müzikte Empresyonizm, 19. yüzyılın sonlarında, özellikle Claude Debussy (1862-1918) ile ortaya çıktı.Debussy, doğrusal melodiler ve katı yapılar yerine, modal ölçekleri, askıda kalmış armonileri, çözülmemiş akorları ve orkestra tınısının sofistike kullanımını keşfederek, adeta orkestranın sesle "resim yapıyormuş" gibi rüya gibi atmosferler yaratır. Maurice Ravel, Erik Satie, Manuel de Falla, Albert Roussel ve diğer besteciler, az ya da çok, iddia etmek yerine ima etme arzusunu paylaşırlar ve işitsel izlenimler lehine net ses hatlarını çözerler.

Edebiyatta, edebi izlenimcilik Bu, katı bir betimleyici gerçekçiliğe bir tepki olarak ortaya çıkmıştır.Bazı yazarlar, olguları ayrıntılı ve nesnel bir şekilde aktarmak yerine, kısmi algıları, içsel durumları ve ince atmosferleri kaydetmeyi tercih ederler. Octave Mirbeau ve Marcel Proust bu alanda referans isimlerdir: Örneğin Proust, "Kayıp Zamanın İzinde" adlı eserinde, zamanın genişlediği ve birbirine karıştığı, ressamların tuval üzerine yaptığı anları yakalamaya ruhen çok yakın, muazzam bir anılar ve duyumlar mozaiği oluşturur.

Empresyonizm, Gerçekçilik ve Modern Sanat: Belirleyici Bir Dönüm Noktası

Empresyonizm ortaya çıktığında, sanat alanına geçmiş formülleri harmanlayan bir eklektizm hakimdi....ancak modern yaşamın dönüşümlerini açıklamakta giderek yetersiz kaldığı ortaya çıkıyor. İzlenimciler böylece "stil kırılmaları kuşağı" olarak adlandırılan dönemi başlatıyorlar: büyük ölçüde 20. yüzyıl modern sanatının öncüsü niteliğindeler.

Empresyonizm, realizmden gündelik hayata olan ilgiyi miras almıştır....sıradan insanların yaşamları ve idealize edilmemiş sahneler aracılığıyla. Ancak doğrudan bir toplumsal eleştiriyi güçlendirmek yerine, asıl odak noktası görme biçimidir: anlatıda değil, algıda aşırı doğalcılık. Gerçeklik, ışığın, havanın ve sanatçının öznel bakışının somut koşulları üzerinden filtrelenir.

Empresyonizm, dünyayı öncelikle renk ve ışık aracılığıyla yeniden inşa ederek, çizim ve resmin işlevlerini birbirinden ayırır.Biçim, katı hatlara ve siyah gölgelerle şekillendirilmiş hacme bağlı olmaktan çıkar; ince kromatik ilişkilerden, benzer değerlere sahip aydınlık ve gölgeli bölgeler arasındaki geçişlerden, renk ve ışığın birleştiği noktalardan ortaya çıkmaya başlar.

Bu çalışma biçimi, Gestalt psikolojisinden çok önce, insan algısının parçalanmış olanı tamamlamaya meyilli olduğunu göstermektedir.Kaotik görünen renk dokunuşları zihinsel olarak tutarlı bir bütün haline getirilir: beyin, fırçanın yalnızca önerdiği şeyi sentezler. Parça ve birlik arasındaki bu etkileşim, bölmecilikten soyutlamaya kadar sonraki avangard akımları büyülemektedir.

Marjinal bir "skandal" olarak doğan Empresyonizm, sadece birkaç on yıl içinde sanat tarihinin temel taşlarından biri haline geldi.O, sanatçıların gerçekliği taklit etme zorunluluğundan kurtulmalarına ve özgürce renk, biçim, ritim ve duygu keşfetmeye başlamalarına olanak tanır. Giverny'nin nilüferlerindeki Monet'den Paris'in yağmurlu sokaklarındaki Pissarro'ya, Montmartre'ın balolarındaki Renoir'den Opera'nın sahne arkasındaki Degas'ya kadar uzanan, onun ışıl ışıl "karalamaları" olmasaydı, post-empresyonizme, Matisse'in fovizmine, Picasso'nun kübizmine, Munch'un ekspresyonizmine veya hatta 20. yüzyılın soyutlamalarına giden yolu hayal etmek zor olurdu.

Bugün, bir Empresyonist tablonun önünde durup, yakından bakıldığında lekelerin pek "anlam ifade etmediğini", ancak birkaç adım öteden bakıldığında canlı bir ışığa, sudaki yansımalara, sise veya harekete dönüştüğünü fark ettiğimizde, hareketin büyük icadını bizzat deneyimliyoruz.Gerçekliğin yalnızca "orada" olan, hazır ve durağan şeylerden ibaret olmadığını, aynı zamanda gözün ve zihnin onu algıladığı, asla tekrarlanmayan bir an olduğunu göstermek.