As 15 características do teatro mais importante

As características mais importantes do teatro estão intimamente relacionadas aos elementos comuns a qualquer trabalho ou performance.O termo teatro tem suas origens na palavra grega theatron , que significa “lugar para procurar”.

Portanto, originalmente, o teatro se referia a um lugar e a uma forma particular de percepção. Atualmente, o conceito de teatro pode se referir a: um edifício, uma atividade (‘ir para’ ou ‘fazer’ teatro), uma instituição e uma forma de arte.

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O teatro é o ramo da arte performática relacionada à performance e representação de histórias na frente de uma platéia ao vivo, usando uma combinação de discursos, gestos, cenário, música, sons e espetáculos que buscam estimular e excitar o espectador.

A mente também desempenha um papel importante no teatro, uma vez que essa expressão artística é decifrada de acordo com a percepção e imaginação do espectador.

Todas as peças têm elementos comuns que caracterizam esta arte. Então você pode ver com mais detalhes os recursos mais importantes.

15 elementos característicos do teatro

1- Trama

É o que acontece no trabalho. Refere-se à ação. A organização de eventos ou a seleção e ordem das cenas de uma peça. Segundo Aristóteles , é um conceito abstrato que se refere à disposição dos incidentes que constituem a matéria-prima e os componentes da história.

A trama é a maneira pela qual esses incidentes são estruturados em um todo coerente. Se a provisão do pedido original for alterada, um novo quadro será gerado. Dois tipos de enredo predominam no teatro. A seguir, suas principais características e elementos diferenciadores:

Quadro de resolução

  • A trama começa no final da história, mais perto do fim ou do clímax.
  • Abrange um curto espaço de tempo.
  • Ele contém algumas cenas sólidas e expandidas.
  • Ocorre em um local restrito, um quarto ou uma casa.
  • O número de caracteres é severamente delimitado.
  • Poucos quadros secundários são gerados.
  • A linha de ação prossegue em uma cadeia de causa e efeito. Os personagens e eventos estão intimamente ligados em uma sequência de desenvolvimento lógico, quase inevitável.

Apocalipse

  • O enredo começa relativamente cedo na história e passa por uma série de atos.
  • Abrange longos períodos de tempo.
  • Muitas cenas curtas e fragmentadas ou a alternância entre cenas curtas e longas.
  • Pode cobrir uma cidade inteira ou mesmo em vários países.
  • Abundância de caracteres.
  • Marcado frequentemente por vários fios de ação, várias histórias paralelas.
  • As cenas estão associadas uma à outra. Um evento pode resultar de várias causas, ou nenhuma causa aparente, mas surge em uma rede de circunstâncias.

2- Tópico

Enquanto o enredo se refere à ação do trabalho, o tema se refere ao significado do trabalho. Às vezes, é claramente indicado no título.

Outras vezes, pode ser declarada através do diálogo por um personagem que atua como a voz do dramaturgo. Às vezes, o tópico é menos óbvio e surge apenas após a análise do conteúdo do trabalho.

3- Personagens

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São as pessoas, animais ou idéias representadas pelos atores da peça. Em termos estruturais, os personagens são os agentes de ação, que fornecem as motivações para os eventos da trama.

Cada personagem deve ter sua própria personalidade, idade, aparência, crenças, formação socioeconômica e linguagem. De acordo com suas funções no trabalho, você pode revisar alguns tipos de caracteres:

  • Protagonista : O personagem principal.
  • Antagonista : O principal oponente do protagonista.
  • Contrapartes : Eles revelam alguns aspectos do personagem principal, porque eles têm circunstâncias ou comportamentos semelhantes ou diferentes.

4- Script ou texto

Este é o ponto de partida da performance teatral. É o texto pelo qual a peça é criada. Consiste em diálogo, instruções cênicas, descrições dos personagens e afins em uma peça. Refere-se às palavras escritas pelo dramaturgo e interpretadas pelos personagens.

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5- Gênero

Classe distintiva do trabalho. Gênero vem de uma palavra francesa que significa “categoria” ou “tipo”. A escolha do gênero reflete o ponto de vista do escritor em relação ao assunto.

No teatro, geralmente são representados os seguintes tipos de obras: tragédia, comédia, melodrama e tragicomédia. Cada um desses gêneros pode ser subdividido em estilo e conteúdo em:

Tragédia

É uma imitação de uma ação séria, complexa e relevante. A tragédia é séria por natureza em seu assunto e lida com problemas profundos. Esses problemas profundos são universais e despertam compaixão e medo na platéia ao testemunhar a ação.

Comédia

Ele tem a visão de fazer o público rir, geralmente é físico e energético. O comportamento dos personagens apresentados é ridículo e às vezes absurdo. Estimula na audiência uma correção do comportamento da sociedade.

Melodrama

É o drama do desastre, circunstâncias fora do controle do protagonista causam os fatos significativos da trama. Aspectos de culpa e responsabilidade do protagonista são eliminados.

O protagonista é vítima de circunstâncias. O melodrama tem um senso estrito de julgamento moral. Todos os tópicos apresentados são resolvidos de maneira bem definida. Personagens bons são recompensados ​​e personagens ruins são punidos.

Tragicomedy

É um reflexo da própria vida, contém todos os gêneros anteriores. Não se destina a julgar, nem a fazer julgamentos absolutos. Ele se concentra nas relações de caráter e mostra a sociedade em um estado de fluxo contínuo.

6- Trajes e maquiagem

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São elementos que servem para caracterizar os atores ao recriar um personagem.

Trajes

Refere-se às roupas e acessórios usados ​​no palco por um ator ou intérprete. Os gregos antigos foram os pioneiros no desenvolvimento de trajes específicos para cada personagem; essa arte serviu para reviver a era medieval e representar grandes marquês da corte.

Maquiagem

É o uso de cosméticos na alteração da aparência física de um ator, para que sua aparência se adapte a um determinado papel ou para compensar os efeitos da iluminação do palco.

A arte da maquiagem foi revolucionada pela introdução da iluminação elétrica e a gás e agora se tornou uma prática altamente técnica.

7- Efeitos de iluminação e som

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A localização, intensidade e cor das luzes, bem como os efeitos sonoros, ajudam o diretor a comunicar o humor, o humor ou o sentimento de uma cena.

A iluminação foi reconhecida como uma característica importante da produção teatral quando as performances internas ocorreram pela primeira vez durante o Renascimento, envolvendo o uso de velas e líquidos inflamáveis.

As inovações cruciais da tecnologia de iluminação incluíram a introdução de lâmpadas de assoalho, o uso de refletores para aumentar a intensidade dos feixes de luz e o escurecimento das luzes no auditório em 1876.

O desenvolvimento da iluminação a gás no início do século XIX representou um avanço importante, apesar dos perigos envolvidos. O uso da iluminação elétrica começou no California Theatre em San Francisco em 1879.

Atualmente, os sistemas de iluminação nos cinemas modernos são controlados por placas computadorizadas altamente sofisticadas, que podem coordenar a iluminação de um sistema inteiro. Outras inovações recentes incluem experimentos com luz ultravioleta, lasers e holografia.

Os efeitos sonoros são os ruídos gerados para acompanhar uma cena de uma peça, que podem ser produzidos por computadores ou por atores dentro e fora do palco.

8- Diretor

Ele é o responsável pela unidade total da produção e pela coordenação dos esforços dos artistas. O trabalho do diretor é central para a produção de uma peça, pois é o diretor quem define a visão da produção para todos os envolvidos.

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O diretor tem a tarefa desafiadora de reunir muitas peças complexas de uma produção: o roteiro, os atores, os figurinos, a iluminação, o som e a música em um todo unificado. Para executar esta tarefa, um diretor precisa:

  • Interprete o script.
  • Colabore com os designers.
  • Planeje os ensaios.
  • Guie os atores em seu trabalho durante os ensaios.

O trabalho do diretor geralmente é baseado em um estudo e análise detalhados do objeto de script da edição. Muitas leituras cuidadosas do roteiro ajudam o diretor a desenvolver uma visão individual das intenções do dramaturgo. Sua percepção influenciará qualquer aspecto da produção.

Os diretores também estudam os personagens do roteiro, reunindo o máximo de informações possível sobre suas características físicas e psicológicas, algo vital para a seleção de elenco.

9- Audição

Grupo de pessoas que vêem o trabalho. Muitos dramaturgos e atores consideram que o público é o elemento mais importante do teatro, uma vez que todo o esforço para escrever e produzir uma peça é para o entretenimento do público.

Como no teatro os intérpretes estão diretamente presentes com o público, é gerado um fluxo circular de energia, o ator afeta a platéia e vice-versa. Esse efeito é amplificado pelo fato de o teatro ser um evento comunitário.

A experiência do grupo é indispensável, pois reforça as emoções vivenciadas pelo indivíduo e cria uma consciência coletiva. Quando um grupo de indivíduos responde de maneira semelhante ao que está acontecendo no palco, seu relacionamento com os outros é reafirmado e fortalecido.

O grau de separação entre o elenco e o público é o que diferencia o teatro convencional do teatro participativo.

No primeiro, o público usa sua imaginação para participar do trabalho enquanto se separa da ação. No segundo, os atores interagem com o público, tentando seguir um roteiro estabelecido e improvisado, enfatizando o desenvolvimento pessoal ou a terapia coletiva.

No teatro, pede-se ao público que aceite muitos tipos de mundos imaginários. Uma maneira de diferenciar esses reinos imaginários é dividi-los no que é chamado de teatro realista e irrealista.

O realismo tornou-se a forma dominante de teatro europeu no final do século XIX, as tentativas de recriar a vida tão de perto que o público tem que ser vida. O não realismo, por outro lado, tenta transcender a realidade observada e apresentar a parte da vida que existe na mente.

No entanto, é um erro supor que essas duas abordagens sejam mutuamente exclusivas. A maioria das apresentações teatrais contém uma mistura de elementos realistas e irrealistas.

10- Cenografia

Serve para recriar o ambiente em que a trama se desenvolve, o cenário tem os seguintes objetivos:

  • Defina o tom e o estilo da produção.
  • Defina a hora e o local.
  • Distinguir realismo de não realismo.
  • Coordene a paisagem com outros elementos.
  • Lidar com as limitações do espaço do palco e da área fora do palco.

Todos esses objetivos são abordados em várias reuniões entre o diretor, o cenógrafo e a equipe de design. Posteriormente, as idéias são incorporadas em esboços, que após revisões, análises e modificações nos permitem conceber o cenário que melhor se adapta à história e à visão dos criativos.

Uma vez concluída esta etapa, os projetos são entregues a um diretor técnico, que realiza as construções, ajustes e instalações necessárias no palco para a materialização do planejado.

11- Cenário

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São equipes teatrais, como cortinas, pisos, fundos ou plataformas, usadas em produções dramáticas.

12- Utilitário

Existem diferentes categorias de adereços. Muitos dos adereços vêm do script e são elementos exigidos pelo diretor. O cenógrafo também costuma solicitar adereços de cenário, como os móveis que aparecem na cena, às vezes há uma linha divisória fina entre esse tipo de adereços e o cenário.

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O suporte é qualquer item móvel que aparece durante uma apresentação, exceto as roupas e o palco. São artigos manipulados por um ou mais atores. Um livro, uma arma, um copo de vinho, entre outros.

13- Atos

Eles representam uma divisão importante no desenvolvimento da peça de teatro. A maioria das peças da época elizabetana até o século XIX foi dividida em cinco atos por dramaturgos ou editores posteriores.

No final do século 19, muitos escritores começaram a escrever obras de quatro atos. Hoje, um, dois e três atos são os jogos mais comuns.

14- Teatros (edifício)

É o espaço no qual atores ou audiências se reúnem. É essencial ter uma área em que o artista, o artista se comunique com uma platéia ao vivo.

Os edifícios teatrais evoluíram dos anfiteatros ao ar livre dos gregos e romanos para a incrível variedade de formas que vemos hoje. É um espaço que apóia a troca emocional entre o elenco e o público.

15- Convenção

Uma convenção de teatro é uma ferramenta prática usada pelo dramaturgo ou diretor para ajudar a contar a história da peça no teatro. A convenção teatral mais comum é a dos personagens conversando e fingindo não perceber a platéia.

Freqüentemente chamada quarta convenção de quarta parede ou tela, é simulada a existência de uma divisão (invisível) entre os atores e o público.

Origens e evolução histórica do teatro

Quando o teatro começou exatamente é um mistério. Caçadores pré-históricos representavam histórias sobre suas expedições de caça. Os antigos egípcios tocavam canções sagradas e dançavam para seus deuses em cerimônias religiosas. Mas a ideia do teatro como entretenimento dramático veio mais tarde.

Sabe-se que as palavras em inglês para tragédia e comédia vêm do idioma dos gregos antigos. Embora os gregos não tenham sido os primeiros a apresentar peças de teatro, eles estavam muito interessados ​​nas origens da tragédia e da comédia.

Em seus escritos, o filósofo Aristóteles e outros escritores gregos propuseram teorias e criaram hipóteses sobre como a forma de arte do teatro se desenvolveu.

Obras gregas foram realizadas nos teatros ao ar livre. A princípio, os teatros ficavam em áreas abertas localizadas no centro da cidade ou ao lado de encostas. O público estava prestes a ouvir e ver o coral cantar sobre as aventuras de um deus ou herói.

No final do século VI aC C., as estruturas teatrais se tornaram mais elaboradas. À medida que o teatro se tornou cada vez mais popular e competitivo entre as cidades, os teatros se tornaram maiores, com estruturas capazes de acomodar até 15.000 pessoas por vez.

O teatro existe desde que as pessoas se conheceram para ouvir alguém contar uma história. Amigos e familiares compartilharam as responsabilidades do público e do intérprete, trocando papéis desde que alguém tivesse uma história para compartilhar.

O teatro moderno pode ser mais formal, com atores treinados para recriar uma história e espectadores sofisticados que reagem a uma encenação, mas a idéia de compartilhar energias entre o elenco e uma platéia ao vivo permanece invariável.

Referências

  1. Cameron, K. e Gillespie P. (1999). O Prazer do T
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    Boston: Allyn e Bacon.
  2. Columbus State University: Termos de Apreciação do Teatro por Deb Moore. Recuperado de: theater.columbusstate.edu.
  3. Di Benedetto, S. (2012). Uma Introdução ao Design de Teatro. Oxon, Routledge.
  4. Northern Virginia Community College: Introdução ao teatro pelo Dr. Eric W. Trumbull. Recuperado de: novaonline.nvcc.edu.
  5. Wilson, E. (2010). A experiência do teatro Nova York, McGraw-Hill.
  6. Wolf, L. (2012). Introdução ao teatro: uma abordagem direta. Bloomington, Xlibris Corporation.

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