A arte abstrata é um movimento artístico que surgiu no início do século XX, destacando-se pela ausência de representação figurativa e pela ênfase na expressão das emoções e ideias através de formas, cores e linhas abstratas. Este estilo de arte rompe com a tradição da representação realista, explorando a liberdade do artista para criar obras que desafiam a interpretação do observador.
Características marcantes da arte abstrata incluem a simplificação das formas, a utilização de cores vibrantes e a experimentação com técnicas não convencionais. Alguns dos principais artistas abstratos incluem Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Jackson Pollock, cada um contribuindo de forma única para a evolução deste estilo artístico.
A pintura abstrata é uma das formas mais populares de expressão dentro da arte abstrata, permitindo aos artistas explorar a criatividade e a originalidade através da combinação de cores, texturas e formas não representativas. Esta forma de arte desafia os limites da imaginação e convida o observador a mergulhar em um mundo de sensações e emoções puras, livres de qualquer contexto ou narrativa específica.
Características principais da pintura abstrata: o que define essa forma de arte?
A arte abstrata é um movimento artístico que se desenvolveu no século XX, rompendo com a representação fiel da realidade e explorando a expressão das emoções e ideias de forma não figurativa. Suas características principais incluem a liberdade de expressão, a ausência de formas reconhecíveis e a ênfase nas cores, linhas e formas abstratas.
Na pintura abstrata, os artistas buscam transmitir sensações e sentimentos através da composição visual, sem a preocupação com a reprodução fiel da realidade. As obras são marcadas pela abstração das formas, pela experimentação com técnicas e materiais e pela originalidade na criação.
Outra característica importante da pintura abstrata é a interpretação subjetiva por parte do espectador, que é convidado a refletir e a criar suas próprias conexões com a obra. Diferente da arte figurativa, a arte abstrata não busca descrever o mundo visível, mas sim explorar o mundo interior do artista e do observador.
Características da arte abstrata: formas, cores e linhas expressivas em composições não figurativas.
A arte abstrata é um movimento artístico que se distingue pela ausência de representação figurativa, explorando formas, cores e linhas de maneira expressiva em composições não figurativas. Surgida no início do século XX, a arte abstrata rompe com a necessidade de representar a realidade de forma fiel, permitindo aos artistas explorar a expressão de sentimentos, ideias e sensações de forma livre e subjetiva.
As principais características da arte abstrata incluem a ênfase nas formas geométricas e orgânicas, a utilização de cores vibrantes e contrastantes, e o uso de linhas expressivas para criar composições dinâmicas e emocionais. A abstração permite aos artistas explorarem a essência de suas emoções e pensamentos, sem se prenderem a formas reconhecíveis pela mente humana.
Na pintura abstrata, os artistas se dedicam a explorar a relação entre as cores, formas e linhas, criando composições que transmitem uma sensação de movimento, ritmo e equilíbrio. As obras abstratas convidam o espectador a interpretar e sentir a arte de forma pessoal, despertando emoções e reflexões únicas em cada indivíduo.
A arte abstrata desafia as convenções artísticas tradicionais, encorajando a experimentação e a liberdade criativa. Ao romper com a representação figurativa, os artistas abstratos buscam expressar o inexprimível, levando o espectador a uma jornada sensorial e emocional através das formas, cores e linhas expressivas de suas obras.
A arte abstrata continua a influenciar e inspirar artistas contemporâneos, mantendo-se como uma forma de expressão poderosa e atemporal, capaz de transcender as barreiras da linguagem e da cultura. As formas, cores e linhas expressivas em composições abstratas convidam-nos a explorar a subjetividade da arte, mergulhando em um universo de possibilidades criativas e emocionais.
Origem da pintura abstrata: conheça a história por trás dessa forma de arte.
A arte abstrata é uma forma de expressão artística que se caracteriza pela ausência de representações figurativas, dando ênfase à forma, cor, linha e composição. A origem da pintura abstrata remonta ao início do século XX, quando artistas começaram a romper com as tradições artísticas convencionais e a explorar novas formas de expressão.
Um dos marcos mais importantes na história da arte abstrata foi a exposição do pintor russo Wassily Kandinsky, em 1911, na qual ele apresentou suas primeiras obras abstratas. Kandinsky acreditava que a arte deveria ser uma expressão pura das emoções e que as formas e cores poderiam transmitir sentimentos de forma mais poderosa do que a representação figurativa.
Outro artista importante no desenvolvimento da pintura abstrata foi o holandês Piet Mondrian, que criou obras abstratas com linhas retas, cores primárias e formas geométricas. Mondrian buscava alcançar uma harmonia universal por meio da simplificação e abstração de elementos visuais.
A pintura abstrata ganhou destaque no cenário artístico do século XX, influenciando diversas correntes artísticas e gerando debates sobre a natureza da arte e a relação entre a forma e o conteúdo. Atualmente, a arte abstrata continua a inspirar artistas e a desafiar os limites da percepção e da criatividade.
Entendendo a essência da pintura abstrata: um guia simples e prático para compreender.
A arte abstrata é um movimento artístico que surgiu no início do século XX e se caracteriza pela não representação fiel da realidade. Nesse estilo, os artistas buscam expressar emoções, sensações e ideias de forma subjetiva, utilizando formas, cores e linhas de maneira não figurativa.
Para compreender a essência da pintura abstrata, é importante considerar que ela se distancia da representação literal do mundo visível, explorando a liberdade criativa e a experimentação. Ao invés de retratar objetos ou paisagens de forma reconhecível, os artistas abstratos buscam transmitir suas emoções e pensamentos de maneira mais livre e pessoal.
Uma das características marcantes da arte abstrata é a simplificação das formas e a ênfase nas cores e na textura. Os artistas abstratos muitas vezes utilizam pinceladas largas, gestuais e expressivas, criando composições dinâmicas e vibrantes. A abstração permite uma maior liberdade na criação artística, possibilitando uma ampla gama de interpretações por parte do espectador.
Para apreciar a pintura abstrata, não é necessário entender o que está sendo representado, mas sim se deixar envolver pelas sensações e emoções transmitidas pela obra. Cada espectador pode interpretar a arte abstrata de maneira única, criando uma experiência pessoal e subjetiva.
Ao se afastar da representação figurativa, os artistas abstratos buscam transmitir suas emoções e pensamentos de forma mais pessoal e subjetiva, convidando o espectador a explorar novas formas de apreciação artística.
Arte abstrata: história, características, pintura
A arte é qualquer forma de arte que destaca a partir de qualquer representação real, a fim de criar um espaço natural completamente diferente. Esse senso de abstração é obtido usando diferentes formas geométricas, bem como pontos, linhas e cores puras.
O abstracionismo como corrente artística também é conhecido como arte não figurativa; Isso significa que esse estilo não tem ponto de contato com a arte tradicional representativa. Apesar disso, essa distância da realidade não implica negá-la, mas propõe uma oposição ou um contraste.
Segundo os conhecedores, para entender a arte abstrata é necessário saber distinguir entre figuração e abstração, uma vez que são conceitos totalmente opostos. Por esse motivo, quando essas noções artísticas são assimiladas, é fácil diferenciar entre uma obra abstrata e uma obra figurativa.
Abstração e figuração
O fenômeno da abstração se manifesta quando não é possível associar o elemento criado a qualquer elemento existente na realidade.
Por exemplo, se a imagem de uma árvore é capturada e é borrada ou modificada, esse jogo artístico não pode ser considerado abstração, pois a imagem ainda mantém a essência da figura original; isto é, permanece figurativo.
Por outro lado, imagens que não têm nenhuma referência real podem ser tomadas como abstração. No campo da arte abstrata, existem vários aspectos, como abstração geométrica, formalismo e abstração expressionista. No entanto, todos estão relacionados à ausência da referência real.
Esses números relacionados aos sonhos também não podem ser considerados abstração, embora em sonhos e pesadelos imagens surreais possam ser levantadas (por exemplo, um unicórnio), isso ainda mantém referências que podem ser encontradas na realidade (no caso do unicórnio, é um cavalo com chifre).
Distância para o mundo figurativo
O abstracionismo mudou radicalmente o mundo artístico, porque antes desse evento a arte havia permanecido sob a tutela da figuração, apesar do fato de que, durante os séculos XIX e XX, a forma começou a desfocar outros movimentos, como o impressionismo. , pós-impressionismo e cubismo.
Desde o momento em que o homem pintou nas cavernas, a arte permaneceu uma busca para representar a realidade.
Até o século XX, o artista não era capaz de se separar de seu entorno e de seu contexto; assim, a arte abstrata permitia uma abertura na episteme de um momento histórico que aspirava a grandes mudanças sociais e uma renovação estética.
A abstração pode ser associada à música, pois os sons não podem ser figurativos (apesar da nomenclatura musical). Cores e formas também são abstratas, pois oferecem uma ampla gama de possibilidades que não precisam necessariamente ter um remetente real.
Origem e História
A arte abstrata tem suas origens em movimentos anteriores, como cubismo e fovismo; No entanto, há uma pintura em particular que funcionou como ponto de partida para a separação entre a representação de objetos reais e a percepção visual das cores.
Este trabalho pertence ao pintor James McNeill Whistler e é intitulado Noite em preto e dourado: o foguete que cai.Nesta pintura de 1874, uma variedade de cores escuras pode ser vista e é difícil encontrar diretamente formas humanas ou construções arquitetônicas.
O que pode ser visto facilmente são as pinceladas de luz e sombra, além dos pontos dourados que parecem evocar um show de fogos de artifício.
Influência do cubismo, expressionismo e fovismo
Com o aparecimento das obras de Pablo Picasso e Georges Braque, foi permitida uma entrada forte em formas geométricas e cores planas. Da mesma forma, Paul Cézanne também se aventurou em seu início na criação de uma realidade alternativa; isto é, ele trabalhou na reconstrução do figurativo.
Por sua vez, os artistas expressionistas foram responsáveis por explorar – ainda que grotescamente – a intensidade da paleta de cores e formas. Suas pinturas são consideradas pelos críticos como um transbordamento de paixões, que se manifestavam de maneira reacionária antes de um tempo de grande consternação social.
Da mesma forma, uma obra como O Grito de Edward Munch é fundamental para o desenvolvimento do que mais tarde foi a arte abstrata ou não figurativa do século XX. A pintura intitulada A entrada de Cristo em Bruxelas, de James Ensor, também é levada em consideração .
Outros grandes expoentes de vanguarda, como Paul Gauguin, Henri Matisse e Georges Seurat, são considerados inspiração chave para aqueles que mais tarde se tornaram o maior representante do abstracionismo, Vasili Kandinsky.
Isso ocorre porque a linguagem da cor bruta, juntamente com suas diferentes pinceladas, influenciou fortemente o renomado pioneiro.
De Baudelaire a Mallarmé: tentativa de distanciamento do referente
No mundo da escrita, também se formavam diferentes movimentos que pretendiam quebrar o estabelecido e acabar com todos os referentes reais. No campo das letras, essa separação foi um pouco mais difícil, pois na mente humana as palavras sempre procurarão ser apoiadas por seu referente.
No entanto, esses poetas conseguiram o vínculo com a interioridade da forma através da imagem acústica da palavra, destacando-se do conceito a que se refere.
O grande poeta da modernidade Charles Baudelaire foi o responsável por semear a idéia de que todos os sentidos reagem a certos estímulos artísticos, uma vez que estes estão conectados por um profundo nível estético que reside no subconsciente do ser humano.
Em outras palavras, todas as artes têm a capacidade de despertar certas sensações nos olhos, nos ouvidos e na mente daqueles que as percebem, sem a necessidade de responder a um referente real.
Da mesma forma, os renomados poetas franceses como Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud e Guillaume Apollinaire buscaram o distanciamento da forma referencial para focalizar o prazer da sonoridade das palavras e o que elas podem evocar no leitor sem precisar se referir a uma conceito
Isso significa que é uma questão de modificar a estrutura mental do leitor, para que ele seja separado dos parâmetros estabelecidos e ouse combinar e criar diferentes sensações através do som das sílabas. Portanto, é uma abstração dentro da escrita.
As aquarelas musicais de Claude Debussy
Como predecessor musical do que mais tarde era arte abstrata, é o grande compositor Claude Debussy, cujas peças musicais pareciam imitar as pinceladas de pintores impressionistas e pós-impressionistas.
Da mesma forma, esse compositor também está associado ao movimento simbolista, pois suas notas foram constituídas por uma forte carga alegórica, acompanhada por uma notável influência oriental.
Isso significa que, para músicos como Debussy e Erik Satie, os objetos observados no dia a dia são apenas símbolos que respondem a uma realidade muito mais profunda, que se manifesta ao ser humano através de um som acompanhado de cor e movimento. .
Características da arte abstrata
Procure capturar a essência
Embora tenha aspectos diferentes, o movimento abstracionista é caracterizado principalmente pela busca pela essência primitiva dos objetos.
Portanto, a arte abstrata tenta capturar em suas manifestações artísticas a exploração da consciência e do inconsciente em seus níveis mais puros.
Liberdade
Outra de suas principais características é a liberdade de aplicar técnicas e elementos e a importância desses recursos.
Por exemplo, isso é claramente aplicado no campo das cores: as cores têm sua própria expressividade artística, sem a necessidade de se referir a um conceito real.
Ausência de formas reais
O abstracionismo carece de formas reais; Apenas figuras geométricas são usadas, uma vez que é um estilo que agrada a uma simplicidade total da forma.
Pintura
-Vasili Kandinsky
Para muitos críticos, a arte abstrata começa com os trabalhos de Vasili Kandinsky; No entanto, deve-se notar que no ano de 1910 os mármores franceses de mármore se tornaram famosos, o que pode ser considerado como o início da abstração.
No entanto, segundo os conhecedores, a importância de Kandinsky na história da arte é inegável. Este pintor tinha um legado de sangue oriental, que ele usou como inspiração para suas obras.
Além disso, o mesmo artista admitiu ter sido inspirado pelas catedrais míticas de Moscou; Segundo ele, a arquitetura colorida da cidade era composta de confrontos artísticos na aparência exterior, que refletiam uma interioridade estética e cultural harmoniosa.
Durante seu trabalho artístico, Kandinsky defendeu a busca da essência primordial da forma. Por esse motivo, seu trabalho pode ser resumido em três palavras: cor, percepção e sensação.
Consequentemente, pode-se estabelecer que a arte abstrata é uma concessão que pressupõe uma condição mística do absoluto; isto é, aposta em um contínuo devir ideológico e filosófico.
A primeira aquarela abstrata
Para alcançar a totalidade estética desses três pressupostos, o autor promoveu o uso de elementos plásticos básicos, como o ponto – elemento primário da obra pictórica -, a linha, o plano e a cor.
Através das associações e ligações entre esses elementos, ele obteve percepções ou sensações novas e diferentes para o olho humano.
Com isso em mente, pode-se dizer que a arte abstrata nasceu em 1910 com a primeira aquarela abstrata de Kandinsky. Nesta pintura, você pode ver formas coloridas, linhas e valores de plástico sem associação com realidades; isto é, é um trabalho composto por elementos não figurativos.
Além disso, se o espectador observar atentamente este trabalho, ele poderá perceber que a pintura é composta principalmente de cores primárias e secundárias, destacando principalmente as cores azul e vermelha. Eles também destacam algumas pinceladas de tons acinzentados, o que causa um contraste com a vivacidade das outras cores.
-Piet Mondrian
Este renomado pintor holandês não se especializou em seus primórdios no abstracionismo, mas trabalhou primeiro em outros estilos, como naturalismo e simbolismo. Apesar da pluralidade de estilos, suas artes plásticas continuaram influenciadas por seus estudos filosóficos e espirituais.
Na busca de encontrar a essência vital das coisas, Mondrian brincou de maneira particular com a abstração geométrica, a fim de encontrar a estrutura básica do universo em suas pinturas.
Por esse motivo, seus trabalhos são denotados principalmente pela cor branca – que é considerada uma “não cor” devido à presença total de luz e todas as cores – e pela cor preta, também considerada um “não-” cor ”devido à total ausência de luz e à presença de todas as cores.
Uma de suas obras mais famosas, também ligada à arquitetura abstrata, é a pintura intitulada Composition in red, yellow, blue and black, que ele fez em 1921.
Neste você pode ver uma série de figuras retangulares de diferentes tamanhos e cores; No entanto, a paleta é bastante básica e primária: como o nome indica, são as cores vermelho, amarelo, azul e preto, que podem lembrar as pinturas do expressionista Mark Rothko.
Escultura
A escultura não ficou muito atrás no movimento abstracionista; De fato, introduziu uma novidade no estilo: tridimensionalidade. Isso aconteceu porque dentro da pintura abstrata as figuras sempre aparecem planas, enquanto na escultura a profundidade da forma é promovida.
-Henry Moore
Um de seus principais expoentes foi o escultor britânico Henry Moore, cujas figuras monocromáticas parecem ter movimento e mantêm uma leve inspiração romântica e vitoriana, segundo o mesmo artista.
Moore também admitiu ter influências de grandes artistas renascentistas como Giotto, Michelangelo e Giovanni Pisano. Além disso, o autor ficou impressionado com as formas das esculturas pré-colombianas toltecas e maias.
Suas numerosas formas abstratas foram esculpidas principalmente em mármore e bronze. No início de sua carreira, Moore aplicou a escultura direta; no entanto, durante a década de 1940, o escultor decidiu começar a moldagem em gesso ou argila, e também aplicou a moldagem tradicional e antiga “à cera perdida”.
Ondas
Suas esculturas têm como característica principal o uso de formas onduladas e espaços vazios, uma inspiração que, segundo os críticos, ele adquiriu das paisagens do condado inglês de Yorkshire, sua terra natal.
Embora a pintura abstrata defenda a eliminação do figurativo, nas obras de Henry Moore você pode perceber abstrações que não estão completamente distanciadas da figura humana. Você pode até distinguir a representação do corpo feminino e as figuras maternas.
Uma das obras mais conhecidas de Moore é a chamada Three Way Piece No. 2 , localizada na prefeitura de Toronto e foi feita em 1964.
Esta peça escultórica monocromática é uma das que melhor se encaixa nos preceitos da abstração, pois sua forma não pode ser diretamente ligada a qualquer referente real.
-Richard Serra
Outro grande expoente da escultura abstrata é o renomado artista plástico Richard Serra, de nacionalidade americana. Este artista, que ainda vive, é considerado pelos críticos como um dos melhores escultores do nosso tempo.
Serra é um escultor minimalista que prefere trabalhar com enormes pedaços de aço, o que torna seu trabalho estético mais admirável.
A primeira etapa do artista é a que melhor corresponde aos ideais abstracionistas, para os quais ele utilizava principalmente chumbo derretido.
Siderurgia
Também é conhecido por fazer grandes estruturas de aço retangulares. Um dos mais famosos é o chamado Arco Inclinado, com 3,5 metros de altura e com uma curvatura sugestiva e sutil. Essa escultura pode ser vista hoje no Federal Plaza de Nova York.
Outra escultura abstrata altamente aclamada pela crítica artística é conhecida como Snake , composta por três camadas de aço que também desfrutam de uma curvatura (as curvas nas formas geométricas são as características mais representativas deste artista). O trabalho está localizado no Museu Guggenheim Bilbao.
Uma das obras mais reconhecidas e mais bem trabalhadas de Serra é a chamada Matéria do Tempo, composta por sete grandes esculturas notáveis, feitas com o material preferido do artista: o aço corten.
Essas figuras são feitas inteiramente de formas redondas e oblíquas, que lembram as formas da natureza e a natureza redonda e enganosa do tempo como uma construção humana.
Arquitetura
Durante o século XX, uma busca por essência e formas originais também se manifestou dentro da disciplina arquitetônica. Por esse motivo, figuras geométricas e planas dominam a arquitetura abstrata, levando também a um estilo minimalista.
Por sua vez, a arquitetura pertencente a esse estilo estético tenta abordar o verdadeiro valor da forma, separando-a do caos e do arbitrário da realidade cotidiana. Dentro desses elementos, a peça arquitetônica é inspirada na natureza, mas é cada vez mais evidente na busca pela simplicidade do espírito artístico.
Na arquitetura, é necessário ajustar os princípios da abstração pictórica, pois, como a escultura, requer uma realização tridimensional da forma. Além disso, antes que a infraestrutura seja executada, é necessário que o artista questione se essa forma que ele deseja produzir pode ser executada na realidade concreta.
Geralmente, a arquitetura abstrata é composta por grandes janelas retangulares, além de formas quadradas simples e sólidas.
-Mies van der Rohe
Um dos arquitetos abstratos mais conhecidos é o alemão americano Mies van der Rohe, que entrou na história como um dos artistas mais importantes da arquitetura moderna. Ele foi diretor da notável escola alemã Bauhaus; no entanto, ele teve que deixar o cargo devido à entrada do nazismo.
Sua arquitetura é reconhecida por sua simplicidade e clareza, muito característica do abstracionismo. Além disso, os materiais favoritos do artista eram aço industrial e chapas de vidro notáveis, que ele usou para o interior da fachada.
Uma de suas obras mais famosas está em Barcelona e recebeu o nome do Pavilhão Alemão, que culminou no ano de 1929. Sua arquitetura é composta por figuras geométricas simples e chama a atenção por seu tamanho modesto. Consiste em uma planta livre e mantém influências notáveis do neoplasticismo.
-Gerrit Rietveld
Gerrit Rietveld era um renomado artista plástico, com facetas diferentes, pois se destacava não apenas na arquitetura, mas também na carpintaria e no design. Seus desenhos de utensílios, como a Cadeira Vermelha e Azul de 1918, denotam o caráter moderno e geométrico como um elemento da época.
Sua obra arquitetônica mais famosa e mais semelhante à estética abstrata é a chamada Casa Rietveld Schröder, construída em 1924. Atualmente, esse local é usado como museu.
Quanto às suas características, tanto o interior como o exterior da casa implicam uma mudança com todos os parâmetros arquitetônicos anteriores; daí a importância do trabalho.
Não há quartos dentro da casa, existe apenas uma ampla área aberta. A fachada externa é composta de linhas e planos, distanciados e coloridos, para criar algo diferente.
Música
Como mencionado nos primeiros parágrafos, é importante lembrar que a música em si é abstrata, pois não pode ser figurativa, embora tenha uma nomenclatura simbólica para as partituras.
Portanto, a música abstrata não pode existir como um movimento artístico. No entanto, existe um estilo de música conhecido com o nome de música absoluta, que consiste naquelas obras musicais que não têm nenhuma adição musical extra; isto é, eles não estão vinculados a nenhum texto.
Em outras palavras, a música absoluta carece de poesia e letra, é uma composição meramente instrumental; portanto, pode-se considerar que toda música lírica pertence a esse gênero. Alguns exemplos podem ser encontrados em sonatas, sinfonias ou em um concerto.
Durante o século XX, vários compositores se destacaram por suas inovações artísticas musicais e que coincidiram com o início do abstracionismo. Entre os mais proeminentes estão Igor Stravinsky e Maurice Ravel.
-Igor Stravinsky
Stravinsky era um maestro e compositor de nacionalidade russa, considerado um dos melhores músicos do século XX. Desde que viveu até os 89 anos, ele teve a oportunidade de explorar diferentes aspectos musicais; no entanto, seus trabalhos mais reconhecidos foram os elaborados durante seus primeiros anos de carreira artística.
Uma de suas composições mais aclamadas é chamada The Firebird, um ballet que estreou em 1910 em Paris.
-Maurice Ravel
Como Claude Debussy, esse renomado compositor francês destacou-se na chamada música impressionista, caracterizada por suas influências orientais e pela evocação de cores através dos sons. Ravel também manteve características de expressionismo e neoclassicismo.
Este músico é aclamado por vários trabalhos, e uma de suas peças mais tocadas é o Bolero, que estreou em Paris em 1928; A partir desse momento, o sucesso dessa composição foi maciço e universal. Seu movimento orquestral é inspirado na dança espanhola aquecida, muito popular na época.
Referências
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