A arte plumária é uma forma de arte tradicional indígena que remonta a séculos atrás e é praticada por diversas culturas ao redor do mundo. Esta técnica consiste em utilizar penas de aves para criar objetos decorativos, como cocares, máscaras e vestimentas, além de obras de arte em pinturas e esculturas.
As características mais marcantes da arte plumária são a delicadeza, a riqueza de detalhes e a variedade de cores e texturas presentes nas penas utilizadas. Os artistas plumários possuem um profundo conhecimento das aves e de suas penas, selecionando cuidadosamente cada uma para compor suas obras.
As técnicas utilizadas na arte plumária incluem o tingimento das penas, a costura e a colagem para fixá-las em suportes diversos. Além disso, os artistas também utilizam outros materiais, como contas, miçangas e pedras, para complementar suas criações.
Algumas obras de arte plumária famosas incluem os cocares usados em cerimônias indígenas, as máscaras rituais e os painéis decorativos. Essas peças são reconhecidas pela sua beleza e complexidade, refletindo a rica tradição e cultura das comunidades indígenas que as produzem.
Origem da arte plumária: conheça a história por trás das peças ornamentais feitas com penas.
A arte plumária é uma forma de expressão artística que utiliza penas de aves para criar peças ornamentais. A origem dessa prática remonta às antigas civilizações indígenas das Américas, que utilizavam as penas para confeccionar adornos e objetos rituais.
Os povos indígenas viam as aves como seres sagrados, e as penas eram consideradas símbolos de beleza, força e espiritualidade. As técnicas de confecção das peças plumárias eram passadas de geração em geração, garantindo a preservação dessa arte ancestral.
As peças plumárias são caracterizadas pela delicadeza e pela riqueza de detalhes. Os artistas utilizam diferentes tipos de penas, cores e padrões para criar composições únicas e sofisticadas. Além disso, as peças muitas vezes possuem significados simbólicos, representando elementos da natureza, divindades ou rituais específicos.
Atualmente, a arte plumária continua a ser valorizada e praticada por diversos povos indígenas, bem como por artistas contemporâneos que buscam manter viva essa tradição. Através das peças plumárias, é possível conhecer não apenas a habilidade técnica dos artistas, mas também a riqueza cultural e espiritual das comunidades que as produzem.
As técnicas artísticas dos indígenas na criação de plumarias: conheça suas habilidades.
A arte plumária é uma forma de expressão cultural que tem origem nas tradições dos povos indígenas das Américas. Os indígenas utilizam penas de aves para criar peças decorativas, como cocares, braceletes, e mantos, que são usados em cerimônias e rituais importantes.
As técnicas utilizadas na criação de plumarias são passadas de geração em geração, mantendo viva a tradição e a habilidade artística desses povos. Os indígenas possuem um profundo conhecimento sobre as aves e suas penas, selecionando cuidadosamente cada uma para garantir a qualidade e beleza da peça final.
Uma das técnicas utilizadas na arte plumária é a costura das penas, que são fixadas em uma base de tecido ou couro utilizando fios de algodão ou fibras vegetais. Outra técnica comum é a pintura das penas, onde os indígenas utilizam pigmentos naturais para criar padrões e desenhos incríveis.
Além disso, os indígenas também utilizam técnicas de tingimento das penas, onde mergulham as penas em soluções naturais para obter cores vibrantes e duradouras. Essas habilidades artísticas são essenciais para a criação de peças únicas e cheias de significado para as comunidades indígenas.
Em resumo, as técnicas artísticas dos indígenas na criação de plumarias são um testemunho da sua rica cultura e habilidade artística. Através do uso cuidadoso das penas e das técnicas de costura, pintura e tingimento, os indígenas produzem obras magníficas que refletem a sua conexão com a natureza e a sua herança cultural.
Entenda o significado e a importância da plumagem na arte contemporânea e tradicional.
A arte plumária é uma forma de arte que tem suas raízes nas tradições indígenas das Américas. Ela envolve o uso de penas de aves para criar peças decorativas, como cocares, mantos e adornos. A plumagem tem um significado profundo na cultura indígena, representando a conexão com a natureza, a espiritualidade e a identidade cultural.
Na arte contemporânea, a plumagem continua a desempenhar um papel importante. Muitos artistas incorporam penas em suas obras, seja de forma literal, como em esculturas e instalações, ou de forma simbólica, representando ideias de liberdade, leveza e beleza. A plumagem também pode ser usada como uma forma de criticar a exploração e a destruição da natureza.
Já na arte tradicional, a plumagem era usada principalmente para criar objetos cerimoniais e rituais, como os mencionados cocares e mantos. Essas peças eram usadas em cerimônias importantes, como rituais de passagem e festas comunitárias. A plumagem era valorizada não apenas por sua beleza, mas também por sua conexão com o sagrado e o espiritual.
As técnicas de produção de arte plumária variam de acordo com a cultura e a região. Alguns povos indígenas utilizam penas naturais, enquanto outros preferem penas sintéticas ou tingidas. As penas são cuidadosamente selecionadas, limpas e preparadas antes de serem aplicadas nas peças. Os artistas também usam técnicas de costura, entrelaçamento e colagem para criar padrões e texturas interessantes.
Algumas obras de arte plumária famosas incluem o cocar de penas de águia do povo Sioux, os mantos de penas de tucano dos povos amazônicos e as esculturas de penas do artista contemporâneo brasileiro Ernesto Neto. Essas peças são valorizadas não apenas por sua beleza estética, mas também por sua rica história cultural e espiritual.
Em resumo, a arte plumária é uma forma de arte única que combina beleza estética, significado cultural e habilidade técnica. Tanto na arte contemporânea quanto na tradicional, a plumagem desempenha um papel importante, representando a conexão com a natureza, a espiritualidade e a identidade cultural. É uma forma de arte que continua a inspirar artistas e espectadores em todo o mundo.
Características das esculturas indígenas brasileiras: uma análise detalhada sobre sua singularidade e significado.
As esculturas indígenas brasileiras são peças de arte que carregam consigo uma rica história e significado cultural. Elas são produzidas por diferentes etnias indígenas, cada uma com suas próprias técnicas e estilos, mas todas compartilhando características marcantes que as tornam únicas.
Uma das principais características das esculturas indígenas brasileiras é a representação de figuras humanas e animais, muitas vezes com formas estilizadas e simbólicas. Essas figuras são esculpidas em diferentes materiais, como madeira, argila e pedra, e podem ser encontradas em diversos contextos, desde rituais religiosos até objetos de uso cotidiano.
Outra característica marcante é o uso de cores vibrantes e detalhes minuciosos na decoração das esculturas. Muitas vezes, são utilizadas técnicas como a pintura com pigmentos naturais e a aplicação de plumas e penas, dando um aspecto único e exuberante às peças.
Além disso, as esculturas indígenas brasileiras frequentemente possuem um forte caráter ritualístico e simbólico, representando mitos, crenças e valores das comunidades indígenas. Elas são consideradas verdadeiras obras de arte que expressam a identidade e a cosmovisão desses povos.
Em suma, as esculturas indígenas brasileiras são verdadeiras manifestações da riqueza cultural e artística dos povos originários do Brasil. Suas características únicas, significados profundos e beleza estética as tornam peças de grande valor e importância para a história da arte no país.
Arte Plumario: origem, características, técnicas e obras
A arte plumária é uma arte feita com penas de aves exóticas, amplamente utilizadas por culturas primitivas em Américas. A maioria das tribos da América (incluindo as grandes civilizações mesoamericanas) usava penas de pássaros para criar roupas especiais.
As roupas plumariais eram usadas pelos altos cargos das tribos como um símbolo de divindade e responsabilidade. Os artesãos que se dedicaram ao design e elaboração de peças da arte plumario na era pré-hispânica foram chamados de “amantes”.
Com a chegada dos espanhóis nas terras americanas, os conquistadores ficaram impressionados com as incríveis peças que foram fabricadas. Portanto, eles começaram a exigir suas próprias roupas com senso cristão.
Apesar da grande popularidade que tinha, a arte estava decaindo com novos estilos artísticos e com a falta de penas finas de pássaros como o quetzal. No entanto, as penas novamente cresceram na Revolução Industrial e no século XX.
Origem
Primeiros colonos da América
A arte do plumario nasceu com os primeiros colonos das terras americanas, que começaram a usar as penas dos pássaros para diferentes atividades. A arte variava de acordo com seus costumes e as regiões em que estavam localizadas.
Geralmente, as penas dos pássaros eram usadas para fazer roupas, decorações ornamentais e como uma indicação das fileiras sociais dentro das tribos. Cavaleiros ou homens de alto escalão vestidos de penas da cabeça aos pés, para se diferenciar das pessoas comuns.
O Mexica e o Maya fizeram cocares incríveis de penas do pássaro quetzal, acompanhados de ouro, minerais e pedras de jade. Eles eram vistos como símbolos de responsabilidade e divindade.
Para as culturas pré-hispânicas, aves como a águia, beija-flores, araras e quetzales eram espécies sagradas e associadas a seus deuses. As roupas feitas com penas desses pássaros eram vistas como peças de luxo.
Os amantes
A arte de Plumario se desenvolveu mais fortemente no Império Asteca. Atualmente, e como consequência disso, a arte plumario está geralmente associada à cultura mexicana.
Os amantes eram os artesãos que se dedicaram à reprodução dessa arte no Império Asteca. Eles estavam localizados em Amatlán, México. Nesta cidade, os principais expoentes que deram vida à arte do plumarium estavam concentrados.
Os amantes cuidaram dos trajes para a nobreza, que exigiram que fossem feitos com as penas mais finas e coloridas.
Todas as roupas devem ser feitas com diamantes, como ouro, prata e diamantes incorporados. Dentro da cultura asteca, a figura do “amante privado” dedicada a fazer itens exclusivos para os nobres começou a surgir.
Era colonial
Quando a era colonial começou no século XVI, muitos conquistadores espanhóis viram com grande espanto as obras de arte feitas pelos amacacas. A partir daí, iniciou-se um intercâmbio criativo com a Europa, conseguindo espalhar a arte das penas pelo mundo.
Os católicos espanhóis decidiram manter viva a arte das penas e pedir aos amantes que elaborassem peças com motivos cristãos. A pedido dos conquistadores, os artistas começaram a fazer imagens de cristais, virgens e santos feitos com penas de pássaros.
Caracteristicas
Sentido religioso
No Novo Mundo, as penas tinham um significado cerimonial e religioso. Para as culturas americanas, o contato entre o homem e a natureza era dado através da roupa. Na hora de realizar os rituais indígenas, eles começaram a decorar seus trajes com penas de pássaros.
Os pássaros eram sagrados, pois estavam associados aos deuses do vento por causa de sua capacidade natural de voar. Na Mesoamérica, grande parte desse simbolismo surgiu com a expansão do culto ao deus Quetzalcoatl, comumente representado por uma cobra coberta de penas do pássaro quetzal.
Anteriormente, considerava-se que as penas tinham propriedades mágicas e eram um símbolo de fertilidade, abundância, riqueza e poder.
Temas cristãos
Durante o boom da arte das penas, os conquistadores chegaram às Américas. Com a influência do catolicismo dos espanhóis nas terras do Novo Mundo, os amantes começaram a fazer obras de arte com um tema cristão.
Os primeiros trabalhos feitos com penas foram chamados de “mosaicos de penas”. Essas obras consistiram em criar imagens de Jesus Cristo, a virgem Maria e cenas da Bíblia. Muitas dessas peças foram enviadas da América para a Europa.
Os ornamentos feitos com penas foram colocados nos altares das igrejas e usados como acessórios nas roupas dos padres.
Significado militar
Alguns guerreiros astecas também usavam penas como símbolo de guerra. Por exemplo, no Império Asteca, “guerreiros águias” usavam penas de aves de rapina para revestir suas roupas de guerra.
Os índios caribenhos e os guajiros costumavam usar penas em suas roupas para representar o número de inimigos que haviam sido eliminados nas guerras. Os gregos, os romanos e os cavaleiros medievais tinham o costume de colocar grandes penas em suas roupas.
Os chapéus dos mosqueteiros foram adornados por grandes penas durante o século XVII.
Com duração ao longo do tempo
No início do século XVII, a arte plumario declinou significativamente. Muitos dos pássaros usados para criar as peças de roupa começaram a ser escassos.
No entanto, no século XX, o uso de penas nos chapéus femininos foi retomado, uma característica elegante na moda da época.
Apesar disso, as penas utilizadas eram geralmente de galinhas, codornas, periquitos, pavões e patos, tingidos com tinta sintética.
Técnicas
Técnica para objetos comuns
Antes de iniciar a criação de acessórios como pulseiras ou chapéus, os amantes precisavam prender as penas com cordas para ajudar a dar ao objeto a tridimensionalidade. Em seguida, tivemos que pensar em um suporte que servisse de base para aderir ou tecer as penas nas roupas.
Em muitas das peças, os amacacas fizeram incrustações de pequenas peças de ouro, prata e pedras preciosas.
Técnica de pintura de penas
A técnica de pintar com penas foi desenvolvida com a chegada dos espanhóis e foi considerada uma das técnicas mais complicadas da arte das penas. A técnica de pintar com penas é geralmente chamada de “técnica do tipo mosaico”.
Essa metodologia foi usada principalmente em escudos e capas para os guerreiros da época; para este tipo de roupa, as melhores penas devem ser usadas. Antes de iniciar a peça, uma camada de penas comuns tinha que ser colocada para complementar o plano de fundo do trabalho.
No final da peça, os detalhes foram feitos com as preciosas penas para obter a elegância desejada. Durante o período pré-hispânico, os artistas aderiram às penas com lâmpadas de orquídea.
Técnica de fio emplumado
A técnica do fio de penas foi realizada por artistas pré-hispânicos e considerada uma técnica desatualizada. Muitas das peças foram feitas de baixo: um tipo de caneta macia diferente das tradicionais.
A técnica consistia na união de dois fios de algodão que são torcidos para apoiar a parte inferior. Com este procedimento, tecidos com diferentes desenhos plumariais foram formados.
Trabalhos
Moctezuma Plume
O Moctezuma Penacho é uma coroa de penas que, segundo as tradições, pertencia ao imperador asteca Moctezuma II.
A peça foi feita com penas do pássaro quetzal, decorada com outros tipos de penas, detalhes em ouro e pedras preciosas. Embora sua origem seja incerta, sabe-se que foi feita pelos amantes dos tempos pré-hispânicos.
Tem uma altura de aproximadamente 116 cm e um diâmetro de 175 cm. Atualmente, está no Museu de Etnologia de Viena, na Áustria. Segundo muitos estudiosos desta arte, a peça não é considerada uma pluma ou chapéu, mas uma capa.
Missa de São Gregório
A missa de San Gregorio era uma pintura asteca com penas feitas por Diego de Alvarado Huanitzin (sobrinho e genro de Moctezuma II). A obra serviu de oferenda ao papa Paulo III e é reconhecida como uma das mais antigas peças de arte plumario com tema cristão.
É representado em uma mesa, com técnicas de pintura mural com características da arte plumar. A peça conta a cena de uma Eucaristia realizada pelo Papa São Gregório Magno, no dia de Natal, quando ocorreu o milagre da aparição de Cristo.
Na gravura, Cristo é apresentado mostrando suas feridas cercadas por elementos da Eucaristia e daqueles que assistiram à Missa.
O manto de Zinacantepec
O manto de Zinacantepec representa uma das obras mais destacadas da época colonial. A peça foi feita pelos amantes, usando a técnica da pena fiada e torta.
As cenas que aparecem no manto aludem a um dos mitos mexicanos sobre a criação do mundo. Através do trabalho, a morte da águia de duas cabeças é narrada quando se eleva ao céu para se tornar o sol e a lua.
Esta peça foi protegida e preservada desde a sua criação. Atualmente, está no Museu Nacional do Vice-Reino, no México. É protegido com vidro que o protege da luz, calor e poeira.
Referências
- Tudo sobre arte plumar, Canal Once, (2014). Retirado de youtube.com
- Missa de San Gregorio, Portal da Universidade Complutense de Madri, (sd). Retirado de ucm.es
- O manto de Zinacantepec abre um contêiner que o protegerá da luz, poeira e fogo, Site do Instituto Nacional de Antropologia e História, (2015). Retirado de inah.gob.mx
- Penas mexicanas, Wikipedia em inglês, (nd). Retirado de Wikipedia.org
- Moctezuma Plume: 10 fatos interessantes sobre esta peça, Janeth Ochoa, (sd). Retirado de mexicodesconocido.com.mx