O cubismo é uma forma de arte que nasceu na França em 1907. Esse movimento foi caracterizado pelo uso de novas técnicas de pintura que mostram outras visões da realidade. Da mesma forma, destacou-se pelo uso de figuras geométricas, como o círculo, o cilindro e o cubo. O objetivo dessa nova técnica era alterar os elementos usados na arte tradicional.
Os pintores cubistas se recusaram a criar obras onde as figuras estavam totalmente definidas. Por esse motivo, as pinturas feitas pelos cubistas – às vezes – são difíceis de entender. Um exemplo é a pintura de Pablo Picasso intitulada Menina com bandolim (1910), que tem a estrutura de um quebra-cabeça que ainda não foi montado.
O interessante desse trabalho é que algumas partes do corpo da mulher estão de perfil, enquanto outras estão de frente. Como entender isso? A idéia é analisar cada peça separadamente e organizá-las como um todo.
Alega-se que o movimento cubista se baseou em um exercício mental, uma vez que os pintores não retratavam os objetos como eram ou como eram vistos, mas como os imaginavam. Portanto, o cubismo era uma manifestação que apreciava o desenvolvimento de idéias modernas.
O termo cubismo foi criado no início do século XX por Louis Vauxcelles para nomear as pinturas que ele considerava inferiores, uma vez que ele disse que os artistas que pertenciam a esse movimento apenas desenhavam cubos deformados.
No entanto, essa manifestação artística foi essencial para o surgimento do futurismo, surrealismo e outras técnicas abstratas.
Iniciadores do cubismo
O cubismo nasceu com a intenção de que os pintores não imitassem a natureza ao criar suas obras. Para esse movimento artístico nascer, foi importante a influência da escultura africana, do desenvolvimento tecnológico e do pensamento científico.
Por exemplo: graças à escultura africana, os pintores perceberam que o conceito de beleza artística poderia ser modificado: as obras não precisavam ser perfeitas para transmitir uma mensagem.
Por outro lado, o desenvolvimento tecnológico – especialmente a invenção da câmera – fez os artistas entenderem que o mundo estava mudando, pois as fotos substituíam os retratos.
O pensamento científico – especificamente o que foi exposto por Albert Einstein – foi fundamental para os autores compreenderem que as pessoas percebiam cores, movimentos e formas de maneiras diferentes.
Seguindo esses aspectos, Pablo Picasso e George Braque decidiram projetar algumas obras que se ajustariam à nova realidade.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Ele é um dos pintores mais conhecidos do mundo. Ele nasceu em Málaga, uma cidade localizada na Espanha. Ele se mudou para Madri para estudar na Academia Real de Belas Artes de San Fernando; mas em 1900 ele se mudou para Paris, onde continuou seus estudos.
No início, seus trabalhos artísticos eram clássicos, mas em 1906 ele começou a produzir sua pintura Les Demoiselles d’Avignon , que – na opinião dos críticos – fundou o cubismo. Esta pintura foi exibida em 1907 e é composta por 5 mulheres nuas: 4 em pé e 1 em pé.
Aparentemente, três mulheres têm rostos desfigurados; mas quando são observados em detalhes, percebe-se que eles usam máscaras africanas. Este trabalho se destaca por ser plano à primeira vista; no entanto, as linhas angulares dão profundidade.
As obras cubistas de Piccaso caracterizam-se por destacar cores neutras, preto, cinza, branco e marrom; mas ele também usou azul escuro e vermelho.
Seu objetivo era representar de maneira diferente os seres ou elementos que ele considerava amplamente utilizados na arte tradicional; portanto, ele se concentrou na pintura de mulheres e naturezas-mortas.
Georges Braque (1882-1963)
Este artista foi um dos principais seguidores de Pablo Picasso, ele até se juntou a ele para desenvolver a pintura cubista. Ele nasceu em Le Havre, uma cidade na França. Sua vida artística começou na oficina de seu pai, onde ele se relacionava com cores primárias e compostas. Em 1889, mudou-se para Paris para estudar na Academia Humbert e na Escola de Belas Artes.
Ao contrário de Picasso, as pinturas cubistas de Braque são caracterizadas por serem muito coloridas, pois ele usava amarelo, verde e vermelho escuro. Seu objetivo era dar profundidade às obras através da cor, razão pela qual ele contrastou tons brilhantes com tons neutros. Suas criações são difíceis de interpretar porque as linhas não são precisas ou algumas estão em cima umas das outras.
Olhar para uma pintura Braque é como olhar para um quadro de avisos da escola, onde numerosos papéis foram colocados sem ordem. Para este pintor, o importante era que o espectador organizasse as obras cubistas através da imaginação.
Ao longo de sua carreira, ele pintou paisagens murchas, instrumentos musicais e objetos simples, como cachimbos, copos, garrafas e tigelas de frutas. Outro aspecto fundamental de suas pinturas era que ele incluía as cartas; isto é, algumas de suas peças mostram uma mensagem escrita.
Características do cubismo
Eles experimentaram figuras e objetos
Os cubistas exploravam formas abertas, perfurando figuras e objetos, deixando o espaço fluir através deles, misturando o fundo em primeiro plano e exibindo objetos de vários ângulos.
Alguns historiadores argumentaram que essas inovações representam uma resposta à experiência de mudança de espaço, movimento e tempo no mundo moderno. Essa primeira fase do movimento foi chamada cubismo analítico.
Abandono da perspectiva e do realismo
Os artistas abandonaram a perspectiva, usada para representar o espaço desde o Renascimento, e também se afastaram da modelagem realista das figuras.
Natureza da imaginação
Os cubistas tentaram pintar a natureza como a imaginavam e não como a via diariamente. Por isso, é apreciado que cada artista retratou a paisagem de maneira diferente.
No entanto, todos pensavam que o mundo era constituído por figuras geométricas, razão pela qual usaram cilindros, cubos, círculos e triângulos para criar seus desenhos.
Pesquise vários pontos de vista
Os pintores queriam que seus trabalhos tivessem vários pontos de vista. Por esse motivo, observa-se que os personagens ou objetos em algumas pinturas estão em posições diferentes.
Por exemplo, eles podiam pintar um homem de costas com o rosto voltado para a frente, enquanto a boca e os olhos estavam de perfil. Para criar esse efeito, eles fizeram suas pinturas como se fossem uma colagem .
É dada importância ao conteúdo
Deram maior importância ao conteúdo do trabalho. Ou seja, para os artistas cubistas o importante não era o que eles desenhavam, mas o que a pintura transmitia.
Cenas do cotidiano
Eles não estavam preocupados em retratar assuntos considerados importantes, como religiosos e políticos, mas focados em pintar cenas do cotidiano, como um violão ou um vaso com flores. O objetivo era que os espectadores se vinculassem emocionalmente às imagens que viram.
Técnicas cubistas
Efeito de luz
Os cubistas não estavam preocupados em usar a técnica do claro-escuro, amplamente utilizada pelos autores da Renascença para destacar um elemento ou personagem em suas obras. O que os pintores cubistas usaram foi o efeito da luz, que eles criaram quando se uniram às cores marrom e amarelo.
Figuro e pouco fundo colorido
A princípio, nas pinturas cubistas, a terceira dimensão foi removida. Ou seja, os artistas não se concentraram em criar profundidade, por isso as pinturas costumavam ser de um único plano; Em conclusão, apenas a figura e um fundo ligeiramente colorido foram representados.
No entanto, com o passar do tempo, os autores começaram a usar linhas curvas e cores compostas (ou seja, aquelas formadas a partir das cores primárias), o que conferia às pinturas uma certa espessura.
Estágios do cubismo
O cubismo teve o objetivo de romper com as obras artísticas realizadas anteriormente, especialmente aquelas realizadas pelos autores do movimento neoclássico, cujas pinturas se destacavam por serem uma cópia da natureza e de sua beleza.
Foi assim que Pablo Picasso, determinado a não seguir uma manifestação artística realista, não apenas focou no estudo da arte africana e nos avanços tecnológicos, mas também examinou em detalhes as pinturas do pintor francês Paul Cézanne, que se caracterizavam por serem mal definidas. .
Cézanne não usou a técnica tridimensional e as figuras que se destacaram em suas obras foram as esferas. Influenciado por essas idéias de representação, Picasso desenvolveu o cubismo, que incluiu três estágios:
Cubismo primitivo (1907-1909)
Muitos autores dizem que esse período primitivo não pode ser incluído nos estágios do cubismo, porque foi apenas um momento de experimentação. No entanto, foi nessa etapa que os pintores começaram a definir as características que identificariam suas pinturas, entre elas:
– Foi decidido usar apenas cores preto e branco. Se outros tons fossem desejados, cinzas e marrons eram válidos.
– Era preferível pintar objetos e pessoas em vez de paisagens.
– Não era necessário que as pinturas tivessem espessura ou profundidade.
Cubismo analítico (1910-1912)
Também chamado de cubismo hermético, pois era muito difícil entender a imagem e a ordem da pintura.
Essa etapa foi importante porque os artistas se concentraram em analisar os fatos da vida cotidiana para recriá-los; isto é, eles observaram uma cena específica, imaginaram-na de maneira fragmentada e, assim, pintaram-na.
Portanto, as imagens que foram feitas durante o cubismo analítico se assemelham a quebra-cabeças. Os aspectos que se destacaram ao longo deste período serão mencionados abaixo:
– Os artistas não queriam que suas pinturas tivessem um significado único.
– O uso de linhas curvas era cada vez mais comum, um elemento que aprofundava o trabalho.
– Tons de amarelo, verde e azul começaram a ser usados para contrastá-los com cores neutras.
– As paisagens começaram a ser incluídas nas tabelas.
Cubismo sintético (1913-1914)
Essa etapa também recebeu o nome de cubismo de reintegração, pois os artistas já tinham mais liberdade temática na pintura. O autor mais importante deste evento foi George Braque, que inventou a técnica de colagem ou patch.
Para dar textura às pinturas e aumentar o valor da decoração, Braque recortou pedaços de papel e colou-os no trabalho com tinta. Esse evento fez com que os retratos cubistas tivessem um impacto maior nos espectadores.
A partir desse momento, os artistas não apenas usaram tintas a óleo e acrílico para fazer suas pinturas, mas também materiais como pano, areia e vidro.
Representantes e seus trabalhos
O cubismo foi uma demonstração que durou alguns anos; No entanto, sua influência foi essencial para o nascimento de novas expressões artísticas. Por esse motivo, afirma-se que o movimento iniciado por Picasso e Braque não apenas mudou a história da arte, mas também demonstrou que existem diferentes técnicas de pintura.
Mas Braque e Picasso não foram os únicos representantes do cubismo, Juan Gris e Fernand Léger também se destacaram:
– José Victoriano González Pérez (1887-1927)
Mais conhecido como Juan Gris, ele era um pintor nascido em Madri. De 1904 a 1906, estudou na Escola de Artes e Manufatura e fez cursos na oficina de José Moreno Carbonero.
Ele se mudou para Paris em 1906, quando estava fugindo das forças armadas e do governo espanhol. Naquela cidade, ele se hospedou no mesmo prédio em que Picasso e Braque moravam.
Em 1910, ele fez suas primeiras pinturas cubistas, que não foram bem recebidas porque tinham profundidade. Desde 1911, seus trabalhos se destacam por serem coloridos e planos. Graças a esse pintor, o efeito de desenho animado foi incluído nas pinturas e também fez os retratos parecerem mais amplos e mais longos.
Um exemplo é seu trabalho Harlequin with guitar (1919), onde se vê a figura alongada de um homem que tem o corpo da frente, mas olha para a esquerda. A pintura é composta de retângulos, triângulos e algumas linhas onduladas que dão a sensação de movimento: como se o personagem estivesse tocando o instrumento musical.
Tintas
Juan Gris não apenas se dedicou a melhorar o estilo das pinturas cubistas, mas também criou sua própria técnica de colagem , onde juntou jornal com papelão. Entre suas pinturas mais importantes estão:
– Retrato de Pablo Picasso (1912).
– violino e tabuleiro de xadrez (1913).
– Ainda vida com obturador (1914).
– Amadeo Modigliani (1915).
– Fernand Léger (1881-1955)
Ele nasceu em Argente, uma província localizada na França. Em 1900, mudou-se para Paris, onde foi assistente de arquitetura e estudou na Académie Julián . Ele admirava Paul Cézanne e, a partir de 1907, concentrou-se no estudo de suas obras.
Suas primeiras pinturas cubistas foram pintadas em 1908; embora seja necessário mencionar que seu estilo não foi tão desenvolvido quanto o de Juan Gris. Mesmo assim, ele se destacava na maneira como usava cores primárias, que destacavam as sombras das figuras cilíndricas e davam textura às suas pinturas.
Outra característica importante dos trabalhos de Léger era que ele não retratava pessoas, mas desenhava robôs e máquinas que consumiam a humanidade. Dessa maneira, ele é visto em sua pintura Naked in the Forest (1909), onde é observado um depósito cheio de objetos metálicos; as figuras geométricas que se destacam no trabalho são o cone e o cilindro.
Não há um espaço vazio nesta caixa; é como se o pintor quisesse dizer que o homem estava sendo substituído pela tecnologia.
Tintas
O objetivo de Fernand Léger era pintar o começo de um novo mundo, por isso ele usou os tons de bronze e cinza, já que eram as cores das máquinas. Alguns de seus trabalhos mais importantes são:
– A travessia ferroviária (1919).
– Mulher com um gato (1921).
– três mulheres (1921).
– La Gioconda com as chaves (1930).
– Louis Marcoussis (1878-1941)
Ludwik Kazimierz Wladyslaw Markus, que era seu nome verdadeiro, nasceu na Polônia, mas logo se mudou para Paris. Depois de estudar Direito, ele demonstrou interesse em pintura, entrando na Academia Juliana. Em 1905, ele exibiu pela primeira vez, sendo o início de uma carreira bastante notável.
Ele teve sorte de conhecer artistas como Braque, Degas ou Pablo Picasso, o que influenciou sua experiência com o cubismo. Durante esse período, ele exibiu obras de naturezas-mortas, paisagens da costa bretã ou vistas de Paris em várias exposições.
Além do cubismo, ele também desenvolveu técnicas de gravura, ilustração ou impressionismo até sua morte em 1941.
Tintas
– Le bar du port (1913).
– Violon, bouteilles de Marc et cartes (1919).
– Figuras na praia (1930).
– O músico (1914).
– Albert Gleizes (1881-1953)
De origem parisiense, desde tenra idade, ele era um garoto boêmio que preferia passar a tarde escrevendo poesia no cemitério, em vez de brincar ou ir à escola. Depois de um período no exército, ele começou como um pintor aprendiz na oficina de seu pai, onde paisagens foram suas primeiras obras.
Embora seu estilo inicial fosse impressionista, quando se familiarizou com artistas do bairro de Montparnasse, ele se interessou pelo cubismo, um movimento ao qual estava mais intimamente associado durante sua vida artística.
Ele ingressou no Grupo Puteaux e sempre esteve intimamente ligado a outros gênios como Marcel Duchamp, Jean Metzinger ou Jacques Villon.
Tintas
– Paisagem cubista (1914).
– Retrato de Jacques Nayral (1911).
– Figura Cubiste (1921).
– Sentado nu (1909).
– Diego Rivera (1886-1957)
Embora ele fosse mais conhecido por seus murais, esse proeminente pintor mexicano também teve um período cubista brilhante. O motivo foi que, sendo estabelecido em Paris na década de 1910, esse movimento o pegou no momento mais forte.
Embora os trabalhos cubistas de Rivera sejam muitos, os estudiosos acreditam que ele não estava particularmente orgulhoso deles e tentaram mantê-los em segredo. Mais tarde, ele continuou experimentando outras técnicas de vanguarda, como o pós-impressionismo.
Tintas
– Retrato de Ramón Gómez de la Serna (1915).
– A mulher no poço (1913).
– Retrato de duas mulheres (1914).
– Maternidade, Angelina e o filho Diego (1916).
Referências
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